In Fight Club, quando viene rivelato che Tyler è solo una personalità alternativa



È uno dei migliori colpi di scena perché è quasi impossibile da individuare, ma è abbastanza prefigurato da renderlo plausibile. Non vediamo mai un personaggio interagire con entrambi allo stesso tempo, ma non lo vediamo nemmeno interagire molto con Tyler ogni volta che c'è qualcun altro nei paraggi. E ogni volta che lo facciamo, normalmente non sembrerebbe che abbia alcun senso, ma è molto chiaro che il mondo di Fight Club non è radicato nella realtà e che c'è qualcosa di malato e contorto in esso. Ma Marla, che ha chiaramente un forte legame con il presunto duo, emana reazioni che iniziano ad avere senso in un contesto diverso quando lo si guarda una seconda volta. E ha senso dal punto di vista narrativo perché il narratore non è come Tyler, eppure prende ispirazione da lui per fare cose cattive, una testimonianza di come l'illusione invisibile possa portarci su un sentiero oscuro.


Non pensavo potesse andare peggio di 300, ma poi ho letto che in una serie TV Achille è interpretato da un ragazzo di colore…

Guarda come viene ritratto Serse il Grande, è semplicemente ridicolo



Questo è Peter Green.



Potreste non riconoscerlo oggi - ha un aspetto molto diverso da quello che aveva nel 1967, quando all'età di 20 anni divenne il fondatore e il frontman di quello che sarebbe diventato uno dei gruppi di maggior successo e durata nella storia della musica.

Ma quando la band, da lui creata, vendeva milioni di album e suonava in arene gremite, Green era già lontano - indigente, senza casa e abbastanza pazzo.

Peter Green era stato una stella nascente del blues revival britannico degli anni '60. Il suo modo di suonare la chitarra attirò l'attenzione del frontman dei Bluesbreakers John Mayall, che permise all'adolescente Green di far parte della band quando il chitarrista principale Eric Clapton non era disponibile. Quando Clapton alla fine se ne andò per formare i Cream, Mayall diede il lavoro a Green, prevedendo che entro pochi anni avrebbe eclissato Clapton come il più grande chitarrista blues d'Inghilterra.



Dopo un anno con Mayall, Green era impaziente di avere una sua band. Si accaparrò due dei suoi compagni dei Bluesbreakers, Mick Fleetwood e John McVie, e li attirò a sé chiamando la band Peter Green's Fleetwood Mac.

La band, che suonava un mix di standard blues e composizioni originali di Green, ebbe un successo immediato. Dietro la voce soul di Green e il suo modo di suonare la chitarra crudo e autentico, il loro album di debutto, Fleetwood Mac, passò 37 settimane nelle classifiche inglesi e fu il quarto album più venduto dell'anno. Green maturò rapidamente come autore di canzoni, raggiungendo le classifiche con composizioni come Black Magic Woman (più tardi un grande successo per Santana) e la strumentale Albatross, che raggiunse il numero 1.



Mentre la loro fama e popolarità aumentava, i compagni di band di Green iniziarono a notare dei cambiamenti nel suo comportamento. Durante un tour in Europa nel 1970, Green lasciò bruscamente la bamd per diverse settimane per unirsi a una comune tedesca dove ingerì grandi quantità di LSD. Il suo comportamento erratico si era intensificato; si fece crescere la barba e cominciò a indossare lunghi abiti e crocifissi, e parlò del suo desiderio che la band desse via i soldi che aveva guadagnato. Le sue composizioni in questo periodo divennero sempre più oscure, come evidenziato nella canzone The Green Manalishi (with the Two Prong Crown):

Ora, quando il giorno va a dormire e la luna piena guarda.La notte è così nera che l'oscurità cuoce.Non venire a strisciare in giro - facendomi fare cose che non voglio

Non posso credere che tu abbia così tanto bisogno del mio amore. Vieni di nascosto a cercare di farmi impazzire .Irrompendo nei miei sogni e facendomi vedere cose che non voglio vedere



Due mesi dopo il suo soggiorno nella comune tedesca, Green lasciò i Fleetwood Mac. L'anno seguente pubblicò un album da solista e delle sessioni con B.B. King, per poi sparire nell'oscurità.



Al verde e incapace di badare a se stesso, si trasferì nella casa di suo fratello e sua cognata, che lo incoraggiarono a cercare un trattamento psichiatrico. Gli fu diagnosticata la schizofrenia alla fine degli anni '70 e iniziò un lungo percorso di recupero. Gli furono dati farmaci antipsicotici che gestirono i suoi sintomi, ma secondo Green, causarono una completa perdita di interesse per la musica. Così per i decenni successivi andò avanti e indietro con i farmaci, una lotta che dura ancora oggi.

Ha formato il Peter Green Splinter Group nel 1997. Il gruppo pubblicò nove album nei successivi otto anni, finché Green non sciolse bruscamente il gruppo.

Oggi vive in una confortevole pensione nel sud dell'Inghilterra, accudito da amici intimi. Mick Fleetwood gli ha fatto visita diversi anni fa e ha descritto il giorno agrodolce: "È ancora caldo e gentile, ma per il resto non è l'uomo che conoscevo, chiaramente".

Non è chiaro se l'LSD assunto da Green abbia scatenato la sua schizofrenia di fondo o l'abbia semplicemente esacerbata, ma una cosa sembra chiara: se fosse rimasto sano, Peter Green sarebbe probabilmente diventato uno degli artisti più influenti di tutti i tempi.



Purtroppo, molte persone che leggono questo post probabilmente non hanno mai sentito parlare di lui.


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La colonna sonora è il suono di un'opera composta da immagini e da suoni (ad esempio un film, un telefilm, un videogioco, ecc.) considerati come dei contenuti, cioè l'insieme della voce, della musica e dei rumori (il suono di un'opera composta da immagini e da suono considerato invece negli aspetti tecnici è il sonoro).
In un'accezione più ristretta la colonna sonora è soltanto la musica di un'opera composta da immagini e da suoni: in questo senso è generalmente indicata con la sigla inglese OST (Original Soundtrack, "traccia sonora originale", dove "originale" indica che è stata composta espressamente per una determinata opera).
La colonna sonora, intesa come musica di sottofondo di un film o di qualsiasi altra opera di spettacolo, è il risultato finale delle sessioni di registrazione delle composizioni, quasi sempre orchestrali, di un artista incaricato di realizzare la stessa:il compositore.
In ambito tecnico, infine, la colonna sonora è l'area della pellicola cinematografica in cui è registrato il suono.
Per musica di sottofondo, nota anche come BGM (BackGround Music), s'intende invece la partitura solo strumentale della colonna sonora musicale: quest'ultima ricomprende anche le eventuali canzoni.
Il termine "colonna sonora" è nato in ambito cinematografico, dove il suono spesso è registrato sulla pellicola cinematografica in senso longitudinale in un'area ben delimitata, che può essere chiamata "colonna".
Per estensione per colonna sonora s'intendono i contenuti sonori registrati in tale area, significato che in seguito è diventato quello più utilizzato e conosciuto e che si è esteso a una qualunque opera composta da immagini e da suono.
Precedentemente all'innovazione tecnica del sonoro, i film erano accompagnati normalmente da musica eseguita dal vivo.
Nel 1916 Victor Schertzinger registrò le prime musiche da utilizzarsi specificamente per una pellicola cinematografica, mentre la vendita di colonne sonore di film divenne una consuetudine a partire dagli anni trenta.
Alcune colonne sonore, o alcuni brani da queste estratte, sono rimaste memorabili nella storia del cinema. Alcuni sodalizi celebri tra compositori e registi hanno finito per diventare tratto distintivo della filmografia di questi ultimi: si pensi a Sergej Prokofiev per Sergei Eisenstein, Bernard Herrmann per Alfred Hitchcock, Nino Rota per Federico Fellini, Ennio Morricone per Sergio Leone e per Giuseppe Tornatore, Danny Elfman per Tim Burton, John Williams per Steven Spielberg e per George Lucas, Zbigniew Preisner per Krzysztof Kieslowski, Joe Hisaishi per Hayao Miyazaki, Nicola Piovani per Roberto Benigni o Angelo Badalamenti per David Lynch.
Nei videogiochi inizialmente le colonne sonore venivano prodotte dallo stesso team di sviluppo del software. In seguito le case di produzione si sono affidate ad artisti esterni, alcuni dei quali molto rinomati e provenienti spesso dal cinema. Le colonne sonore solitamente sono pubblicate su CD o messe in vendita su canali di distribuzione online.
Proprio come nella storia del cinema, alcune colonne sonore videoludiche hanno ricevuto valutazioni e giudizi estremamente positivi da parte di vari siti web e riviste.

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Attività di PROMO SINGOLO (anteprima video del singolo)
- Redazione del comunicato stampa del singolo (con videoclip)
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- Proposta di anteprima video del singolo a testate generaliste e specializzate
Attività di PROMO TOUR (copertura stampa e radio sui media locali – base di 10 concerti)
- Redazione del comunicato stampa delle date del tour
- Invio alle redazioni (stampa e radio) dei comunicati per la ricerca di segnalazioni e/o approfondimenti
- Attività di recall (telefonico e via mail) a testate e redattori
- Supporto e coordinamento della gestione dei social network
- Rassegna stampa (cartacea e web) delle pubblicazioni riguardanti la promozione del singolo e del tour
- Report intermedi (su richiesta) o a fine lavoro (stampa, web e radio)

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Con l'espressione musica da ballo ci si riferisce ad una vasta categoria di musiche composte appositamente per facilitare ed accompagnare il ballo. Il legame tra musica e danza risale a tempi antichissimi ed è attestato anche dalla presenza di antiche ceramiche greche, che riportano danzatori accompagnati da musicisti. Tra le più antiche musiche da ballo occidentali, che oggi siamo in grado di riprodurre con un certo margine di esattezza, vi sono alcune danze medioevali.
La danza popolare moderna nasce inizialmente nel tardo XVIII secolo, per diffondersi successivamente nelle sale da ballo. Sul finire del XIX secolo le sale da ballo divennero popolari presso la classe proletaria che ben presto si trasformarono nelle prime balere. Le sale da ballo divennero enormemente popolari negli USA durante gli anni venti, per poi sfociare nell'era dello swing degli anni trenta. Negli anni cinquanta, la musica da ballo più popolare fu il Rock and roll, a cui succedettero il Soul ed il R&B negli anni sessanta. La nascita delle discoteche negli anni settanta rese celebre la Disco music, che a sua volta, lasciò lo scettro della musica da ballo più popolare a nuove forme di musica da ballo che utilizzavano in gran parte strumentazioni elettroniche. La electronic dance music, nelle sue varie forme, è ancora oggi lo stile di musica popolare più suonata in discoteche, stazioni radio, spettacoli e rave di musica da ballo, evolvendo così in numerosissimi sottogeneri.
Il termine equivalente inglese dance music viene spesso utilizzato come sinonimo della electronic dance music.
Con il termine musica da ballo folclorica si intende una tipologia di musica nata per accompagnare il ballo tradizionale, ed è generalmente distinta dalla musica da ballo classica o storica e dalla musica da ballo commerciale o popolare. Seguendo lo schema proposto in musicologia da Philip Tagg infatti, la Musica popolare, la musica colta e la musica folclorica (o folklorica), formano un "triangolo assiomatico" in grado di racchiudere i vari generi musicali. Esempi di musica da ballo folclorica in Italia, possono essere considerati la pizzica o il saltarello. Mentre un esempio statunitense è la old time music suonata per accompagnare i balli square e contra.
Se sin dai tempi antichi esistono documentazioni della combinazione tra ballo e musica (come le raffigurazioni di antiche ceramiche greche che raffigurano danzatori e musicisti assieme), è altresì vero che le prime musiche che possiamo riprodurre oggi con una certa esattezza risalgono al periodo medievale ed alle prime forme di annotazione musicale. Fra queste è da ricordare l'Estampie.
Durante il XVII secolo, la nascente classe borghese vede un momento di grande vivacità ed espansione in Europa, sviluppando sempre più una propria specificità culturale. È in questo contesto che nei salotti borghesi vengono popolarizzate danze prima riservate ai circuiti colti ed aristocratici come la musiche e danze da camera del Valzer, della Galop, dalla Quadriglia, della Polka oppure la riscoperta di musiche da ballo di matrice folk come Mazurca, ballo folclorico polacco risalente all'inizio del XVI secolo[5]. Oltre ai salotti, i luoghi prediletti per le serate danzanti furono i teatri, che avevano spesso orchestre stabili che eseguivano repertori costituiti da ballabili di stile viennese, riproposizione di brani e riduzioni di famosi brani d'opera[5]. Con l'inizio dell'800 i compositori, per utilizzare un termine moderno, sono già dei "liberi professionisti", che producono composizioni anche per "uso domestico".

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Batterista è colui che suona un insieme di singoli strumenti a percussione, quali piatti, rullante, grancassa, campanacci, tom, ecc. disposti a determinate distanze tra loro in maniera da poter essere suonati da un unico musicista e talvolta in posizioni diverse da quelle che considerate ideali.
Ad alcuni strumenti a percussione quali ad esempio la grancassa e i piatti sovrapposti (Hi-Hat o Charleston) sono state apportate delle modifiche sostanziali che li differenziano degli strumenti originali e che richiedono una preparazione specifica (l'uso dei piedi tramite pedale).
Il batterista deve adattare le normali tecniche di percussione di ogni singolo strumento ad un contesto ambientale assai diverso, dove è della massima importanza la disposizione dei vari strumenti, cercando al contempo di usare le tecniche particolari che permettono di suonare nel migliore dei modi ognuno di tali singoli strumenti percussivi, con lo scopo finale di rimpiazzare (nei limiti delle possibilità di un solo individuo) i vari percussionisti.
Per questi motivi la batteria viene considerata non soltanto come un insieme di strumenti a percussione ma piuttosto come uno strumento a sé stante e gli studi del batterista, che inizialmente devono prendere in esame la [tecnica] di ognuno dei singoli strumenti percussivi che compongono la batteria, in seguito vengono sempre dedicati alla batteria intesa come unico strumento di un insieme ed il più delle volte cercando di concentrare lo studio in uno degli stili che compongono il variegato mondo musicale moderno.
Questo significa che gli studi vengono spesso indirizzati verso uno specifico genere musicale o almeno verso dei generi musicali che richiedono una selezione ed una disposizione degli strumenti abbastanza omogenea e che di conseguenza portino il batterista ad approfondire certe tecniche mirate. (Nei conservatori, di solito i corsi di batteria sono indirizzati allo Swing Jazz, genere che offre un ventaglio molto vasto di possibilità tecnico-strumentali).
A livelli molto avanzati il batterista dovrebbe essere in grado di eseguire correttamente ogni genere musicale e per fare ciò dovrebbe poter disporre di una gamma assai diversificata di strumenti sulla batteria e dovrebbe conoscere gli aspetti della tecnica esecutiva adatti ad ogni genere musicale.
Tuttavia questo compito diviene sempre più arduo perché i tipi di sonorità richieste al giorno d'oggi si differenziano ormai moltissimo tra genere e genere e si prevede che in un futuro il batterista dovrà per forza specializzarsi in un modo totalmente dedicato, sia per tecnica esecutiva che per la disposizione degli strumenti percussivi, ad un solo e determinato contesto musicale. A questo proposito, già ai nostri giorni, le sonorità (e di conseguenza le tecniche, la natura e la disposizione degli strumenti) variano enormemente a seconda del genere musicale (ad esempio: Jazz tradizionale, Metal, Latin).
Al batterista viene richiesto di scandire il tempo perfettamente e, per quel che riguarda molti generi musicali, in modo continuo. Molto spesso egli deve arricchire la melodia con fraseggi eseguiti con i vari strumenti a percussione di cui dispone.
In molti generi musicali il batterista assume un ruolo predominante e deve essere in grado di eseguire degli assoli misurati o liberi.

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Il Wall of Sound è una tecnica di produzione musicale utilizzata nelle registrazioni di musica pop e rock, sviluppata durante i primi anni 1960 dal produttore discografico Phil Spector presso i Gold Star Studios di Los Angeles.
Noto nell'ambiente musicale per la sua forte personalità e le idee poco convenzionali riguardo alle tecniche di registrazione, grazie anche all'elaborazione di questo stile Spector riuscì a trasformare le canzoni in mini-sinfonie, conferendo al produttore un ruolo compositivo almeno pari a quello dell'autore.
La tecnica consisteva essenzialmente nell'aggiunta, alla classica strumentazione basso-chitarra-batteria, di strumenti tipici della musica orchestrale quali archi, ottoni, triangoli, timpani e percussioni che mai, in precedenza, erano stati utilizzati nella musica pop e che venivano registrati e poi sovrapposti (raddoppiandoli e triplicandoli) per ottenere un suono quasi unisono ed arrivare così ad un effetto di riverbero ed un suono più denso, quasi ad avvolgere l'ascoltatore in una massa sonora continua e che lo stesso Spector amava definire "un approccio wagneriano al rock & roll: piccole sinfonie per i bambini".
Una delle canzoni esemplificatrici dell'utilizzo del Wall of Sound è sicuramente Be My Baby, scritta nel 1963 da Jeff Barry ed Ellie Greenwich ed interpretata dalle Ronettes, ampiamente considerata come una delle più belle canzoni pop di tutti i tempi e quintessenza dello stile di Spector. Altri esempi sono la versione (sempre delle Ronettes) del classico Sleigh Ride, Da Doo Ron Ron, scritta sempre dalla coppia Barry-Greenwich e cantata dalle Crystals e poi alcuni lavori di band come Beach Boys e Rolling Stones, come pure Death of a Ladies Man, l'album di Leonard Cohen uscito nel 1977.

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La EMI (sigla di Electric and Musical Industries) è stata una storica etichetta discografica, con sede a Kensington, Londra. È stata una delle quattro grandi case discografiche (major) che hanno monopolizzato il mercato musicale fino a quando nel 2011 è stata acquisita dal gruppo Vivendi Universal (la divisione musicale) e dal consorzio Sony/ATV (la divisione dell'editoria). La EMI music operava in oltre 25 nazioni diverse.
Nasce, dal punto di vista industriale, nel 1931, dalla fusione della Gramophone Company (nota anche come His Master's Voice, in Italia La voce del padrone, che fa riferimento al celebre dipinto dal titolo omonimo, realizzato nel settembre del 1899 da Francis Barraud, "La voce del padrone" che ritrae il cagnolino Nipper mentre ascolta un grammofono, usato come marchio nell'etichetta) e della Columbia Graphophone Company.
La branca statunitense della His Master's Voice fu invece acquisita dalla RCA Victor.
La divisione di musica classica, confluita nel 1990 nella etichetta EMI Classics, è stata per molto tempo diretta da Walter Legge; durante questo periodo erano di proprietà della casa discografica l'orchestra londinese Philharmonia e gli studi di Abbey Road, inaugurati il 12 novembre 1931 da Sir Edward Elgar. In quell'anno, nei suoi laboratori di ricerca, l'ingegnere Alan Blumlein brevetta il suo sistema di registrazione e riproduzione del suono binaurale (stereo). Nell'ottobre del 1952 lancia il suo primo microsolco a 33 giri in concomitanza con l'inizio della produzione dei 45 giri da 7". Nel 1958 viene pubblicato il primo LP stereo, il 19 febbraio del 1960 viene pubblicato l'ultimo 78 giri EMI: Rule Britannia e Royal Event di Ross Conway; il 23 marzo 1962 cessa la produzione dei 78 giri. La prima cassetta a nastro preregistrata viene pubblicata nel 1966.
Il settore produttivo non è stato unicamente quello discografico, al pari della società concorrente, Decca, è stata presente sul mercato delle apparecchiature di riproduzione con realizzazioni di pregevole fattura, oltre ai grammofoni, anche di amplificatori tecnicamente all'avanguardia per l'epoca, ormai veri oggetti da collezione; basti pensare al modello stereoscope Twenty-Twenti (20+20 watt) del 1960, oltre alle innumerevoli possibilità operative, comprese le varie equalizzazioni, oltre alla RIIA, la Europe dei vecchi LP, dei 78 giri e la NARTB, incorporava un oscilloscopio di precisione con tono pilota interno.
La EMI è presente in Italia dal 1931 con il nome VCM, (sigla di Voce del Padrone - Columbia - Marconiphone) che dal 1967 ha assunto la denominazione di EMI Italiana.
La società è stata acquisita dal fondo di investimento privato Terra Firma il 22 marzo 2007 di cui è proprietario il britannico Guy Hands. La società è stata valutata 4,7 miliardi di dollari. L'operazione si è rivelata fin dall'inizio difficile: la contrazione del mercato della musica, iniziata con il boom della musica digitale, è accelerata con la crisi, lasciando a Citigroup un debito da 3 miliardi di sterline di Emi e inasprendo i rapporti con Hands e la sua società Tierra Ferma. Il finanziere ha fatto causa alla banca americana, accusandola di averlo ingannato durante la vendita. Hands puntava a rinegoziare l'accordo e a non perdere il controllo di Emi ma senza successo: in tribunale ha perso. La presa di controllo da parte di Citigroup, avvenuta il 1º febbraio 2011 ha comportato una riduzione del 65% del debito di Emi da 3,4 miliardi di sterline a 1,2 miliardi di sterline.
L'11 novembre 2011 Vivendi e Universal Music Group (UMG) rilevano EMI Music per un valore totale di 1,2 miliardi di sterline e completano l'acquisizione il 28 settembre 2012. La EMI aveva un quota del mercato mondiale del 13,4%.

Non solo lo show, ma Ellen Degeneres stessa ha fatto il suo corso. Lo show era banale, così come la conduttrice. Lo show è stato un'esperienza di benessere, buone vibrazioni, piccoli balli carini e l'elevazione dei talenti di persone che spesso erano completamente sconosciute prima delle loro apparizioni. Ha intrattenuto. Ha fatto del bene, qua e là.



Ma la conduttrice stessa, Ellen? Era cattiva. Maltrattava gli ospiti. Faceva camminare tutti intorno a lei sulle uova, licenziando persone per offese semplici come "guardarla negli occhi" o "rivolgersi a lei senza essere stati chiamati prima". Conduceva il suo programma come un ca**o di colonnello Kurtz nella giungla cambogiana. L'orrore! Così... la gente cominciò a parlare. Voci in abbondanza. Un anno o due fa, sono state confermate. Sempre più persone hanno iniziato a condividere le loro esperienze con Degeneres.



A quanto pare, si è fatta un sacco di nemici. Non nel mondo dello showbusiness, si badi bene - è sempre stata attenta a non mordere la mano che la nutre e a calciare solo verso il basso, mai verso l'alto! - ma tra le persone della sua troupe: Cameraman, assistenti, sceneggiatori, comparse. Non puoi essere costantemente cattiva quando le telecamere sono spente, poi andare a fare la parte del signor Rodger donna e dire a tutti di essere gentili gli uni con gli altri. Non funziona

Ellen Degeneres ha fatto finta di essere una specie di Gandhi lesbica per il suo pubblico adorante, mentre era una strega completa per il suo staff. E alla fine, l'ha morsa nel suo magro didietro... non riesce proprio a trovare abbastanza personale di qualità per girare il suo show per lei.