Una sera bel 1785 Wolfgang Amadeus
Mozart scommise una bottiglia di vino con Franz Joseph Haydn, altro
celebre musicista, che egli non sarebbe stato in grado di eseguire
sul pianoforte un pezzo di musica che aveva composto la mattina.
Accettata la scommessa, Haydn cominciò a suonare. Ma a un tratto si
fermò, era impossibile continuare. Le mani del pianista erano alle
due estremità della tastiera, e nello spartito era segnata una nota
che doveva essere eseguita al centro. Haydn si diede per vinto. Toccò
a Mozart suonare: il quale si mise tranquillamente al piano e suonò
anche la nota finale. Ma come? Con il naso. E vinse la scommessa.
Da sempre conosciuti come
“muser”, dal nome della
app
Musical.ly (ora “Tik Tok”),
i giovanissimi autori di video da 15 secondi sono personaggi pubblici
a tutto tondo e sempre più spesso corteggiati dai
brand.
Tremila dollari al mese
per quattro minuti di pubblicità,
non continuativi. È quanto
Zoe LaVerne, una ragazza di
17 anni, guadagna per promuovere il brand Pigeon Pop di fronte ai
suoi
3,4 milioni di follower,
che ogni giorno guardano i suoi
video in 15 secondi in lip sync.
Follia?
No, è Musical.ly, la app del momento
tra i giovanissimi che ha già raggiunto oltre 200 milioni di utenti
in tutto il mondo con 13 milioni di nuovi video caricati ogni giorno,
e che ha cambiato nome in “Tik Tok”.
Quanto guadagnano i muser tramite le
donazioni dei fan
A metà tra Vine e Snapchat, fin dal
2016 Tik Tok prevede la possibilità di effettuare piccole
donazioni
al proprio artista, o “muser”,
preferito: una delle tante modalità con cui giovani e giovanissimi
possono guadagnare attraverso la propria attività online, in maniera
tuttavia non sempre intuitiva nei confronti del proprio pubblico di
follower.
Questi ultimi, infatti, sono soliti
acquistare su Tik Tok delle “monete virtuali” (“Coins”) con
cui comprare delle emoj personalizzate, da inviare al proprio “muser”
preferito in occasione di una diretta in live streaming e vedere così
il proprio nome apparire per qualche secondo, in grande, accanto al
volto del proprio personaggio preferito. Nulla di diverso, a pensarci
bene, dalla pratica ancora in uso di inviare sms durante un programma
televisivo per vedere il proprio nome e messaggio apparire in
sottofondo.
La curiosità?
Al
“muser”
destinatario del dono arriva solo
il
50% dei “coins”
effettivamente acquistati dagli
utenti, mentre il resto viene suddiviso tra la piattaforma e Apple
Store. Più che una forma di guadagno, le “donazioni” dei
follower sembrano essere quindi una sorta di rimborso spese, per
l’attrezzatura e il tempo speso a realizzare video (a volte, per 15
secondi di lip sync possono volerci diverse ore di montaggio).
Quanto potrebbero guadagnare
Come avvenuto sulle altre piattaforme
social, anche per i
“muser”
i veri guadagni arrivano tramite
canali spesso molto diversi tra loro. Al primo posto, ovviamente, ci
sono le collaborazioni con le aziende: da diverse decine di migliaia
di dollari per singolo video nel caso dei “muser” più famosi
(come la “trasformista”
Lauren Goldwin, cinque
milioni di fan), a quello che serve per “togliersi qualche sfizio”,
come dichiara
Virginia Montemaggi,
17 anni e due milioni di follower,
a
Vanity Fair.
La collaborazione con i brand può
avvenire nelle modalità tipiche dell’endorsement di un prodotto o
servizio a fini pubblicitari, ma può anche assumere le forme di un
“endorsement” dei canali stessi del brand: è il caso, ad esempio
di
Elisa Maino, la prima
“muser” italiana a superare il milione di follower, che per una
settimana ha gestito gli account di Patrizia Pepe su Musical.ly, come
si legge sul Corriere.
Il paradosso?
Per giovani artisti nati e cresciuti
online, la prova del nove è offline: con la pubblicazione del primo
libro cartaceo (si veda il caso dei successi editoriali della
quindicenne
Iris Ferrari
e della già citata
Elisa Maino, editi da
Mondadori e Rizzoli), oppure con il passaggio al piccolo schermo in
un programma o uno show televisivo. Per alcuni c’è anche il
salto alla carriera artistica
vera e propria: come nel caso di
Jacob Sartorius, non ancora
sedicenne, 14 milioni di follower e autore del singolo di successo
“Sweatshirt”.
“Monetizzare”
la popolarità non è mai stato un passaggio semplice e indolore per
gli artisti e i creatori di contenuti: avere milioni di follower non
garantisce, di per sé, un ritorno economico. A far la differenza,
spesso, è la capacità di sperimentare stili e canali diversi,
rimanendo fedeli al proprio personaggio: quello che è difficile per
gli adulti, per bambini e adolescenti ancora in formazione potrebbe
invece essere semplicemente troppo presto.
Recitare. E no, non è una cosa ovvia.
Molti attori non vengono scelti per le
loro doti recitative, ma solo per via di accordi e soldi.
Ma c’è un motivo se un attore poi
viene premiato agli Oscar per la propria performance.
Prendiamo come esempio
Rami Malek:
Ha 39 anni, che a mio parere porta
anche bene, ed è un attore formidabile.
È stato premiato nel 2019 con l’Oscar
come migliore attore protagonista. Per quale film?
Bohemian Rhapsody.
Chiunque abbia vissuto negli anni 70’
e 80’ non può non avere mai sentito questa famosissima canzone dei
Queen. Ed è proprio di loro che parla il film, in particolare del
loro frontman:
Freddie Mercury.
Ora, io non ho mai fatto parte di un
cast cinematografico o televisivo, ma ho esperienza con il teatro. E
sapete qual’è il lavoro principale di un attore?
Interpretare. Regalare emozioni.
Dare vita ad un personaggio.
Be’, io non ho avuto il piacere di
andare ad un concerto dei Queen. Ma cavolo,
cavolo, dopo aver visto
delle interviste con i membri della band e loro concerti online sono
rimasto meravigliato da quanto tutto il cast abbia rappresentato così
bene tutti e quattro. E la persona più importante è naturalmente
Rami Malek, che ha avuto il difficile compito di interpretare Freddie
Mercury.
Se ricordate Freddie, ricordate anche
il suo modo di atteggiarsi, in positivo, sul palco, sia con i suoi
compagni che con il pubblico.
Bene. Io direi che se Freddie fosse
stato lì agli Oscar insieme ai suoi amici Roger Taylor e Brian May
sarebbe stato fiero di Rami, e gli avrebbe sorriso come solo lui sa
fare.
Certo, magari non si assomigliano così
tanto fisicamente. Ma vi basta guardare uno dei tanti video su
YouTube che comparano le scene dei film ai vari concerti. Il più
importante naturalmente è il
Live Aid.
Ricapitoliamo.
Qual’è la dote che deve possedere un
attore?
La capacità di portare in vita i
personaggi.
Nel caso di Rami Malek, direi che il
suo compito l’ha svolto alla grande.
Come fanno i registi a girare in aree affollate a Tokyo, Manhattan, ecc.? Hanno bisogno di permessi?
Lost in Translation
aveva un budget di $4 milioni. Eppure
c'è una scena girata in mezzo alla folla, a circa metà del film -
quando Scarlett Johansson attraversa l'Incrocio di Shibuya a Tokyo
nell'ora di punta - che è stata girata come un film indipendente
senza un soldo.
Sofia Coppola ha mandato Scarlett
Johansson nella folla con una telecamera e il primo assistente
operatore alle calcagna.
A quel punto la troupe ha attraversato
la strada, ha preso un ascensore per il secondo piano di uno
Starbucks, ha finto di ordinare da bere e ha puntato le telecamere
fuori dalla vetrata.
Qui potete vedere il leggendario
direttore della fotografia, Lance Accord, che fa finta di niente:
A scuola di cinema vi diranno di non
filmare mai in un luogo pubblico senza i vari permessi. E a volte i
permessi sono necessari. Molte produzioni sono inflessibili riguardo
a questo tipo di rischi evitabili e vengono spesi un sacco di soldi
per simulare delle folle realistiche.
Ma questo spirito - mischiare la
finzione alla realtà, rubare inquadrature nel bel mezzo della vita
di tutti i giorni - può produrre un tipo di magia che i soldi non
potranno mai comprare.
La routine by Wallace Lee, l'autore di Rambo Year One (ma impostata 'di base' su quella suggerita da Stephen King, sul suo saggio 'On Writing' - se volete fare veramente gli scrittori, leggetelo!!).
scrivere. Ovvero: andare avanti col vostro lavoro attuale (romanzo o racconto che sia). Fatelo sempre, ogni giorno, dall'inizio fino alla fine e senza pause, con l'accento sullo scrivere il FINALE, perché è la parte più importante di qualunque storia. Il valore di uno scrittore si conta infatti su quante trame ha portato a termine, non sul numero di pagine che ha scritto. Viceversa, i lavori lasciati a metà non contano. Anzi. Sono solo tempo perso. L'importante - specialmente all'inzio - è scrivere anche male, ma portare comunque sempre tutto a termine. Fidatevi di me. Ogni cosa lasciata a metà è tempo perso. Viceversa, un racconto o un romanzo scritto male, invece… Rappresentano un errore che COMUNQUE non farete mai più. Ed è già un grosso passo in avanti, rispetto al perdere tempo.
correggere. Ovvero: prendere il vecchio lavoro (non quello attuale) e correggerlo frase per frase. Significa valorizzare la storia aggiungendo dettagli visivi, emotivi, eccetera (revisione creativa). E poi correggere o riscrivere frase per frase, in modo da renderlo più scorrevole, incisivo, eccetera (revisione stilistica). Io revisiono ogni mio singolo testo (romanzo o racconto che sia) almeno 5–6 volte frase per frase. 'Buona la prima' è infatti una frase che non esiste, nel mio vocabolario.
leggere. Ovvero: non leggere a caso. Se io non so fare descrizioni visive, cercherò un autore che è un mago delle descrizioni visive. Se sono troppo complicato, cercherò un autore che è un mago della semplicità. Se il mio punto debole è dare un ritmo alla narrazione, cercherò un mago della scansione dei tempi. Leggere significa rubare le soluzioni agli altri autori, e non vergognarsi poi di sarle per risolvere i nostri problemi narrativi, mentre stiamo raccontando le nostre storie. L'importante per uno scrittore è leggere qualcosa che migliori la tua scrittura (e non che 'confermi' i tuoi difetti). La mia saga sul Vietnam per esempio ha rubato tutta la sua impostazione narrativa da quella del Trono di Spade. Ma siccome parla di Vietnam, non se nè mai accorto nessuno dei 10.000 lettori e passa che l'hanno ormai letta (a settembre 2020).
Fine.
Più farete queste cose OGNI GIORNO, meglio scriverete sia da un punto di vista stilistico che creativo.
Per il resto, si tratta soltanto di non perdere 'l'amore per le cose che non ci riguardano'. Uno scrittore vero - per definizione - è una persona infatti che si innamora di cose che non esistono. Ed esserlo non è facile per nulla, nella vita di tutti i giorni.
Anzi.
Può renderti la vita un inferno.
Wallace Lee, l'autore di Rambo Year One.
Sono 2.628 le stelle sulla Hollywood
Walk of Fame: tutti nomi di celebrità che hanno fatto la storia del
cinema, della televisione, della musica e del teatro. Da Donald Trump
a Michael Jackson da Topolino (il primo personaggio animato a
ricevere una stella) ai Simpson, sono molte le star che si trovano
sulla passerella. Ma chi è che decide chi finisce sulla Hollywood
Walk of Fame? Incredibile ma vero, il primo passo viene dalle star
stesse: queste devono inoltrare formalmente una domanda alla Camera
di Commercio di Hollywood e attendere una risposta. Vi stupirà
sapere che chiunque può chiedere di avere una stella, bisogna aver
fatto però qualcosa di grandioso, altrimenti non si ottiene
risposta. Piccolo dettaglio: alla domanda per la stella va allegata
la ricevuta di pagamento della tassa di 30mila dollari, una somma che
serve da una parte a realizzare la stella, dall’altra a garantirne
la manutenzione da parte della Hollywood Historic Trust. A valutare
la validità della richiesta è un piccolo gruppo di personaggi di
spicco di Hollywood che hanno il compito di controllare tutto il
passato e i riconoscimenti ottenuti dal richiedente ma sarà una
commissione di sei persone a dare il responso finale.
In caso di risposta negativa nessun problema.. la domanda può essere presentata ad oltranza.
Non tutti gli attori più famosi hanno una stella sulla Walk of Fame. Star come Robert De Niro, Leonardo di Caprio e Brad Pitt ad esempio, non hanno mai avuto interesse ad averne una e non hanno mai inoltrato la domanda.
In caso di risposta negativa nessun problema.. la domanda può essere presentata ad oltranza.
Non tutti gli attori più famosi hanno una stella sulla Walk of Fame. Star come Robert De Niro, Leonardo di Caprio e Brad Pitt ad esempio, non hanno mai avuto interesse ad averne una e non hanno mai inoltrato la domanda.
Il soggetto non è credibile. Es. viene
utilizzata una squadra di umani "cattivi" e senza
superpoteri per sopperire alla mancanza di superman (suicide squad)
- Gli attori sono noti per partecipare a film low budget, o sono stati utilizzati come comparse o in piccoli ruoli, attori di vecchie serie tv che sono cult ma nessuno conosce più. Es la serie di sharknado;
- Il film è tratto da un videogame e nessuno della troup ci ha mai giocato, compreso il regista. Es il film di ALONE IN T DARK, FAR CRY, BOODRAYNE, in generale ogni film di UWE BOLL;
- Il film è recitato da attori comici utilizzati per ruoli seri o drammatici (questa regola non vale al contrario);
- Il film è stato prodotto in paesi noti per tutt'altro genere di film. Es un film sull'olocausto made in India;
- Il film è un remake di un film classico ancora valido
- il film è un reboot
- il film remake o reboot di un film ancora in distribuzione nel mondo
- il film è un horror giapponese adattato alla cultura occidentale
- il film esce sotto natale, è a tema di natale, ed è ricco di buoni sentimenti (questa regola non si applica a LOVE ACTUALLY);
- nel trailer del film si utilizzano suoni standard di creature mostruose, utilizzati in film e in videogiochi dal 91 ad oggi. Es, come questi:
- nel trailer del film ci sono suore possedute (questa regola non si applica alla serie SISTER ACT);
- il film tratta di possessione demoniaca, ma nessuno sembra aver mai sentito parlare di possessione demoniaca
- il film tratta di zombie, ma nessuno sembra aver mai sentito parlare di zombie
- il film è un commedia d'amore. Es TUTTE LE COMMEDIE D'AMORE (questa regola non si applica a LOVE ACTUALLY)
- nel film c'è Julia Roberts e Richard Gere, o Julia Roberts e Hught Grant;
- nel film ci sono coppie super gay che fanno cose da gay perchè sono gay e deve vedersi che il film contiene anche dei personaggi gay;
- il film è un cinepanettone
- il film contiene la velina/letterina/donnina/fighetta televisiva di turno, che non sa recitare, non sa parlare, ma ha ottime curve
- il film contiene come attori, sportivi e conduttori televisivi inseriti come cameo
- il film contiene come attori, sportivi e conduttori televisivi come PERSONAGGI VERI. Es. ALEX L'ARIETE, con Alberto Tomba e Michelle Hunziker (giuro che esiste, andate a controllare, è un film terribile)
- film con scene di nudo senza un senso
- film che rappresentano la tecnologia di 30 anni fa in modo sbagliato. Es. la console che aspira i giocatori in jumanji, o lo schermo su cui iron man assiste alla morte dei genitori in civil war
- film americani ambientati in italia dove tutti parlano siciliano
- film americani ambientati in russia dove gli attori, che non conoscono il russo, recitano in inglese con l'accento russo
- cartoni in cgi di vecchi cartoni anni 70–80. Es. l'ape maya
- film con animali parlanti
- il film è un adattamento di una serie di libri, che non supera il primo episodio
- il film parla di temi troppo giovani per essere adatttati da un regista o sceneggiatore cianquantenne
- nel film tutti i cellulari sono apple
- nel film tutti i computer, anche quello collegato ad un missile nucleare, è un apple
- il film è MARCHIATO dal product placement
- il film è l'ultimo di una serie che doveva essere finita molto tempo fa
- nel film tutti sparano ma si avvicinano talmente tanto al protagonista da poter essere accoltellati
- il film è diretto da M. Night, Shyamalan (5 volte su 7 è così)
- il film è uno spin off di una serie che è stata spremuta
Tom Cruise, l’attore diventato famoso
con Top Gun e interprete di tutti i Mission Impossible, non ama
essere sostituito dalle controfigure né dagli stuntman, ed
interpreta lui le scene più pericolose dei suoi film?
Ebbene si, l’ha sempre dichiarato: a
lui piace e pretende di girare in totale autonomia anche a rischio
della sua stessa vita. Salti nel vuoto, scalate estreme, inseguimenti
in moto (rigorosamente senza casco) a tutta velocità, aerei presi
letteralmente al volo; ogni scena è stata girata da Tom Cruise in
persona. Ha persino conseguito il brevetto di pilota di elicottero ,
come ha fatto con quello di aeroplano per girare Top Gun, per essere
in grado di poter effettuare le spericolate manovre richieste .
All’occorrenza si trasforma persino in un pesce; si dice che per
permettere al regista di riprendere una sequenza sott'acqua in una
sola volta abbia trattenuto il fiato per alcuni minuti.
Steven Seagal è un uomo notoriamente
arrabbiato e violento. Ama intimidire fisicamente, minacciare e, a
volte, gestire con le mani i suoi colleghi, collaboratori e
assistenti personali ... fondamentalmente, con chiunque pensi di
poter attaccare briga e cavarsela. Fino a quando non incontrò Gene
LeBell!
Ora, LeBell era un leggendario artista
marziale e istruttore di combattimento. Decenni di esperienza al suo
attivo e decisamente non il tipo da prendere alla leggera con
cazzate. Seagal affermò, nel 1991, - LeBell aveva circa
cinquant'anni all'epoca - di essere immune alle strozzature.
Sfidò il vecchio artista marziale a
provare a soffocarlo, e LeBell accettò con riluttanza. Seagal non
solo non era "immune" come affermava; in effetti, svenne
... e si cagò anche nei pantaloni nel farlo.
Seagal ha ancora quella stessa rabbia
interiore, quell'arroganza, a quasi trent'anni di distanza.
L'umiliazione non lo fermò.
Anni dopo, Steven Seagal andò a una
festa in cui Sylvester Stallone era stato raggiunto da Jean-Claude
van Damme ... Seagal affermò che "poteva stendere Van Damme".
Van Damme rispose: "Certo, andiamo nel cortile, adesso, e
buttami giù!"
Seagal porse le sue scuse, lasciò la
festa e Jean-Claude lo seguì, trovandolo in un night club a Miami
dove disse ancora una volta a Seagal che poteva stenderlo. Seagal se
ne andò di nuovo.
Un sacco di chiacchiere. Molte meno
azioni, di fronte a un degno avversario.
Kubrick era famoso per essere un grande perfezionista. Coppola non era da meno. E anche grandi contemporanei come Fincher o Nolan sono conosciuti per essere cultori di ogni minimo dettaglio.
Ma nel lontano passato ci fu qualcuno che riuscì ad essere talmente pignolo da divenire un vero e proprio incubo per gli attori che lavoravano con lui, nonostante fosse conosciuto per l'immagine di attore comico.
Charlie Chaplin, mentre dirigeva il suo capolavoro Luci della Città, fece rifare all'attrice Virginia Cherrill una scena per ben 342 volte. E la cosa particolare fu che in quella scena, l'attrice pronunciava una sola frase:
Un fiore, signore?"
Unico particolare: il film era un film muto.
342 fu senz'altro un record, ma Chaplin aveva uno standard di 10 - 20 ripetizioni per ogni scena girata. Un vero perfezionista, maniacale, conosciuto da tutti per la pignoleria esasperata. Non a caso Luci della Città fu il film che gli richiese più tempo per essere girato.
Sono molto variabili.
Tenere aperto un set è una spesa
MOSTRUOSA, e qualunque film si organizzerà MOLTO bene in modo da
ottimizzare il più possibile i tempi (gli attori costano, molte
attrezzature sono a noleggio, eccetera).
Mediamente, le riprese durano 4–5
settimane ma ci sono anche film (come il capolavoro FUGA DA NEW YORK)
che sono stati filmati in 15 giorni o addirittura 1 settimana.
Lavorazione di Fuga da New York.
Per molti professionisti la possibilità
di lavorare a un film Hollywoodiano ad alto budget potrebbe essere la
prima e l'ultima della loro vita, e l'atmosfera che si respira è
quella di 'farò l'impossibile, e di più. Soprattutto il tempo è
denaro (e TANTO pure) e dunque molti registi - in quanto responsabili
finali del progetto - diminuiscono le ore notturne di sonno fino a
lavorare giorno e notte per revisionare le riprese della giornata,
riscrivere le parti della sceneggiatura che non funzionano alla prova
dei fatti ed eventualmente ripetere le scene che 'in realtà' non
vanno bene prima della chiusura del set.
Ai tempi necessari vanno aggiunti:
A) I tempi della della
PRE-PRODUZIONE:
discussione della sceneggiatura,
scelta delle location, tempi del 'casting' (scelta degli attori tra
molti candidati), organizzazione dei lavori.
Tutto questo si aggira
mediamente sui due-tre mesi.
B) I tempi della post-produzione:
i tempi necessari al montaggio del
film con composizione colonna sonora composta ad hoc in base al
montaggio finale. Oltre all'editing occorre anche lavorare al lancio
pubblicitario del film, ma di quest'ultimo però si occupano persone
completamente diverse da quelle che hanno lavorato alle riprese (a
parte magari i protagonisti del film, cui verrà richiesto di
viaggiare per presentare il film ad eventi vari). Ad ogni modo, il
lancio pubblicitario può avvenire a tutti gli effetti in
contemporanea all'editing, e in genere non influsice sulle
tempistiche della lavorazione al film. La postproduzione (lancio
pubblicitario escluso, perché può avvenire in contemporanea) dura
mediamente 2–4 mesi.
Ecco 5 curiosità su Madonna, è
una cantautrice, attrice, produttrice discografica e cinematografica
statunitense famosa in tutto il globo:
- Madonna ha giocato molto con l'immagine scandalosa e provocante nella sua carriera. Ma da giovane, era una studentessa modello, prendeva sempre tutte A!
- Il sogno da bambina di Madonna era quello di diventare una suora, da sempre viste come "persone sovrumane, belle e fantastiche".
- Madonna soffre di brontofobia, la paura dei tuoni.
- Fino al 2015, ha venduto oltre 200 milioni di dischi in tutto il mondo.
- Una volta Madonna ha guadagnato 5 milioni di dollari negli anni '80 per essere protagonista di uno spot della Pepsi che non è mai andato in onda. La pubblicità prendeva spunto dal video di "Like A Prayer", ai tempi sommerso da controversie religiose. Madonna è stata comunque pagata.
Per prima cosa bisogna iniziare dalle
basi. Le basi musicali, ovviamente. La parte strumentale, il beat, è
fondamentale nel rap. Molto più di quanto generalmente si crede.
Scegli il tuo beat, anche preimpostato, e lasciati ispirare.
Attenzione però ai diritti: molte basi sono coperte da copyright.
Dopo aver risolto il problema delle
basi, è il momento di pansare alle barre, ovvero i versi delle
canzoni rap. Una strofa è in genere composta da 16 barre divise in 4
quartine. Questo in generale. Inizia a farti ispirare, scrivendo i
primi pensieri che ti vengono in mente.
Ricorda che il rap classico ha, in
linea di massima, dalle due alle quattro strofe, mentre la trap dalle
due alle tre, di solito più corte. Per quanto riguarda
i ritornelli, il rap classico può anche non averne, ma di solito ne
ha massimo due, mentre la trap ne ha dai due ai quattro.
Questo per avere idea di come
strutturare il tuo brano. Ma la cosa principale, più che la
struttura, è la metrica. A questo bisogna fare molta attenzione.
Cos’è la metrica rap?
La metrica è la teoria e la pratica
della scrittura di versi dal punto di vista del ritmo. La metrica
quantitativa è fondata sull’alternanza di sillabe lunghe e brevi;
la metrica accentuativa è fondata sulla disposizione ritmica degli
accenti tonici. Per l’italiano servirà tenere sotto controllo la
metrica accentuativa.
Ora veniamo al dunque. Rileggi i tuoi
versi dopo averli scritti. Li trovi abbastana pungenti? Ricorda che
l’ironia e il sarcasmo sono fondamentali per un buon testo rap.
E le rime? Le trovi originali? Va bene
citare o lasciarsi ispirare, ma attenzione a non diventare banale.
Cuore-amore nel rap non funziona. Se ti è venuto fuori qualcosa di
simile, prendi e cestina. Riparti da zero e vedrai che partorirai
qualcosa di migliore.
Usa poi le figure retoriche, almeno
quelle principali, come la metafora. Ma anche in questo caso cerca di
non scadere nel banale. Ne abbiamo lette e ascoltate di ogni tipo.
Trova le tue. Diventeranno anche una sorta di marchio di fabbrica.
Attenzione poi ai ritornelli: devono
essere ripetitivi per rimanere più facilmente in testa.
Qualche altro consiglio pratico può
essere il riscrivere più volte la stessa barra, per cercare di
affinarla e trovare il taglio giusto. Non è detto che infatti la sua
prima forma sia la migliore, anzi. Inoltre, valuta di inserire un
tema solo all’interno del pezzo. Scrivere una canzone d’amore e
di critica sociale insieme è complesso, se non quasi impossibile.
Un ultimo suggerimento potrebbe essere
questo: non inserire una volgarità ogni due parole. Un testo di sole
‘parolacce’ o bestemmie potrebbe risultare indigesto, oltre che
non ‘vendibile’ in radio.
Ora sai come poter scrivere una buona
canzone rap. Sei pronto a metterti alla prova?
Correva l’anno 1984. I Queen, furono
ospiti al Festival di Sanremo, presentarono il loro enorme successo
Radio Ga Ga, tratto dall’album The Works e scritto dal batterista
Roger Taylor. L’esibizione, come si può sentire chiaramente, era
in playback: la somiglianza con la versione in studio della canzone è
palese, e la voce di Freddie è fin troppo ferma. I motivi di questa
scelta, oltre alla facilità e velocità del cambio palco, furono
dovuti anche ad altri fattori: risparmiare sui fonici e sulla
gestione degli strumenti ed evitare brutte figure. Quelli erano anni
in cui la musica stava profondamente cambiando e in cui si iniziavano
a vedere fotomodelli cantare in playback con la voce di altri. Con
questa tecnica si potevano chiamare star molto apprezzate senza
rischiare stonature e quindi eventuali critiche da parte del
pubblico. Ma come è immaginabile, Freddie Mercury non voleva stare
alle regole della Rai: cantò in playback, sì, ma si prese gioco
dell’intera situazione, allontanando da sé il microfono
volutamente, più e più volte. Va bene che la sua voce era molto
potente, come è ben noto, ma senza microfono è chiaro che non
sarebbe mai potuta essere così udibile. La presa in giro era chiara.
D’altra parte, va notato che a prescindere da tutto, è davvero un
peccato imbrigliare una voce così possente, nonché un crimine
mettere a freno una personalità artistica strabordante come quella
di Mercury. Che, infatti, ancora una volta ha forzato le regole del
gioco a modo suo. E ha fatto bene.
Che Keith Moon fosse un tipo piuttosto
difficile da gestire, fu evidente ai
The Who
fin dal principio. Era un
batterista pieno di energia e carisma, uno di quelli presi a modello
dai giovani e che liberava una tale carica sul palco da riuscire a
trascinare il pubblico nonostante se ne stesse la dietro in ultima
fila.
Però il suo stile di vita era
decisamente al limite e stava iniziando a diventare un grosso
problema per tutti. Atteggiamento distruttivo, alcol, droga, Moon
divenne presto una scheggia impazzita.
Lo stile di vita di Moon aveva ben
presto iniziato a minare la sua salute e l'affidabilità all'interno
della band.
Durante il tour di
Quadrophenia
del 1973, alla data di debutto
degli Who negli Stati Uniti al Cow Palace
di Daly City, in California, le
cose iniziarono subito al peggio. Prima di salire sul palco, Moon
buttò giù una miscela di tranquillanti e brandy. Durante il
concerto, collassò durante
Won't Get Fooled Again.
La band smise di suonare e i
roadie portarono Moon giù dal palco. I Who non potevano permettersi
di bucare la prima data americana, gli Stati Uniti erano un traguardo
troppo importante dal punto di vista discografico per rimediare una
figuraccia al debutto! Così i roadie gli fecero una doccia e
un'iniezione di cortisone, rimandandolo sul palco dopo trenta minuti
di ritardo.
Ma le disgrazie non erano finite.
Moon collassò di nuovo durante
Magic Bus
e venne nuovamente rimosso dal
palco. La band continuò senza di lui per diverse canzoni. Poi
Townshend prese il microfono e a sorpresa chiese:
Qualcuno può suonare la batteria?
Voglio dire qualcuno bravo?
Tra il pubblico c'era un batterista,
Scot Halpin, che si avvicinò e suonò per il resto dello spettacolo.
Certo che ha senso. A patto che si
ricordino due condizioni.
- Il passaggio da serie A a serie B ci può essere, a volte è questione di pochi anni.
- la distinzione non è una questione di bravura, ma di fama presso il grande pubblico, visto che di celebrità si parla.
Esempi di celebrità di serie A, quelli
conosciuti dalla cultura di massa, da tutti, quelli che in un
cartellone pubblicitario bucano anche senza che vi sia scritto il
nome, nel bene e nel male:
- Tom Cruise, Brad Pitt, Scarlett Johansson, Robert De Niro, Leonardo Di Caprio, Angelia Jolie, Mick Jagger, Madonna, Mark Zuckerberg, Donald Trump, Messi, Cristiano Ronaldo…
Esempi di celebrità di serie B, quelle
che sono conosciute da pochi, ma che comunque sono celebrità, perchè
è innegabile che siano famose. Non magari al livello stratosferico
delle altre, ma comunque famose:
- Emily Ratajkowski (potevo non iniziare da lei?), Chiara Ferragni, Paulo Dybala, Mark Ruffalo, Joe Biden, e il mio preferito, Danny Trejo.
Ecco, Danny è un grandissimo esempio
di celebrità di serie B che però è sempre stata osannata e
riverita dai suoi più importanti colleghi, al punto da dedicargli
persino un film da protagonista, lui che è diventato famoso come
caratterista. Provate a guardarlo e a dire se non lo avete mai visto
pur non conoscendone il nome…
Quando ascolti una canzone per un paio
di volte di fila, ti si mette quel motivetto in testa che alla lunga
diventa anche fastidioso. Tutto questo perché? Ce lo spiega un
professore dell'Università dell'Illinois. Dopo aver ascoltato un
motivetto più volte, riesce a passare nella memoria a lungo termine
restandoci in testa. E qui intervengono i chewing-gum, perché la
nostra corteccia uditiva è capace di farci ascoltare tutti i suoni
provenienti dall'esterno, ma anche quelli dall'interno, dunque il
rumore provocato dalla masticazione andrà a contrastare il ritmo del
motivetto facendolo scomparire.
Se uno scrittore pubblicasse solo
gli scritti che riconosce 'facilmente' come propri, sarebbe un
cattivo scrittore.
Perché per scrivere bene, bisogna
andare molto più in là di così.
Scrivere narrativa non c'entra nulla
con te, con chi sei, con l'esprimere te stesso, eccetera.
Solo i dilettanti ragionano così.
I professionisti invece creano. E
creare, per definizione, significa andare oltre se stessi.
Non si tratta né di lanciare messaggi
al lettore, né di metterlo al corrente delle tue riflessioni, della
tua vita, eccetera.
Si tratta di
a)
creare qualcosa
b) portare il lettore là dove non è
mai stato prima e
c) dove non sarebbe mai in grado di
andare da solo.
Ma per riuscirci, devi imparare a
fregartene di cosa vorresti e cosa non vorresti scrivere… Per
seguire solo i risultati.
E le cose migliori che scrive uno
scrittore di fiction sono in genere proprio quelle che (rilette col
senno di poi) egli sente come estranee. Sono potentissime, ma non ha
la minima idea di come diavolo gli siano arrivate in testa.
A quel punto il bravo scrittore non
solo le tiene, ma le mette in risalto.
E nel farlo, arriva addirittura a
cestinare i pezzi in cui si rivede di più, perché sono quelli dove
ha creato di meno.
Un’associazione professionale per la
didattica della scrittura?
- Attualmente esistono una quantità di
iniziative private nell’ambito dell’insegnamento della scrittura
e della narrazione. (D’ora in poi userò sempre la parola
“scrittura”, includendovi tutto ciò che viene presentato con
vari nomi: scrittura creativa, tecniche di narrazione, scrittura
narrativa, scrittura poetica ecc. ecc.).
Alcune di queste iniziative hanno ormai
anni di storia alle spalle e sono
consolidate; altre sono nuove; altre hanno l’aria un po’
improvvisata;
eccetera. Alcune di queste iniziative
sono molto qualificate (cioè: hanno qualifiche da esibire, a es. un
parterre di docenti noti e stimati ecc.), altre non lo sono (ma ciò
non comporta che siano iniziative di bassa qualità). La maggior
parte di queste iniziative (per quel che ho capito girellando per la
rete) si rivolgono a un pubblico di principianti, o comunque di
persone che non sono intenzionate a fare della scrittura il centro
della loro vita. Molte si rivolgono alla scuola (direttamente agli
studenti, o agli insegnanti). Molte hanno l’aspetto di attività
dopolavoristiche, e si svolgono a es. in sedi nelle quali si svolgono
anche corsi di ceramica, di dizione, di acquarello e così via.
- Mi pare che, tranne rarissime
eccezioni, in queste iniziative vi sia una netta centralità del
docente.
A fare la differenza tra un’iniziativa
e l’altra, appena ci si alza di solo una spanna al di sopra
dell’attività dopolavoristica, è il docente: il suo nome, la sua
notorietà, la controllabilità delle sue capacità, eccetera.
Non mi pare che le diverse attività si differenzino per metodi didattici dichiarati e riconoscibili. Mi pare (sottolineo questi mi pare: questo post serve anche per controllo) che il più delle volte l’utente non scelga la tale o talaltra iniziativa “perché lì lavorano in un certo modo”, ma piuttosto “perché lì ci insegna il tale).
Questo mi pare, benché descritto approssimativamente, un dato di fatto.
Non mi pare che le diverse attività si differenzino per metodi didattici dichiarati e riconoscibili. Mi pare (sottolineo questi mi pare: questo post serve anche per controllo) che il più delle volte l’utente non scelga la tale o talaltra iniziativa “perché lì lavorano in un certo modo”, ma piuttosto “perché lì ci insegna il tale).
Questo mi pare, benché descritto approssimativamente, un dato di fatto.
- Peraltro, ho la sensazione che
abbondino le iniziative-fuffa. Corsi che costano un occhio, il cui
programma è dichiarato in dieci parole generiche, né è dato di
sapere chi sia o chi siano i docenti. Corsi che promettono cose del
tipo “Faremo di te uno scrittore” (sto parodiando per dare
l’idea). Corsi i cui contenuti, a quel che si capisce dai programmi
proposti, non sono niente di più di ciò che si può trovare in un
qualsiasi economicissimo manualetto. Magari sono cose onestissime
(l’onestà si vede nel rapporto tra prezzo e offerta, nonché nella
descrizione dell’offerta: più è altisonante, più io
m’insospettisco), ma spesso non mi sembrano cose onestissime. Il
guaio è che la diffusione delle iniziative-fuffa da una parte, e
dall’altra la diffusione delle iniziative rivolte ai “principianti”
(cosa, quest’ultima, di per sé tutt’altro che negativa) generino
un po’ di confusione e finiscano col rendere più difficile da
comunicare le iniziative serie e rivolte a un pubblico più
“avanzato”.
-
Mi càpita abbastanza spesso che qualcuno
mi telefoni o mi scriva chiedendomi di fare – presso
un’associazione, una scuola, una biblioteca ecc. – un “corso di
scrittura creativa”. Quasi sempre le mie domande sui contenuti
specifici desiderati non trovano risposta. Spesso, man mano che parlo
con la persona, mi rendo conto che sotto l’etichetta di “scrittura
creativa” vengono messi, alla rinfusa, la narratologia e i giochi
di parole, gli esercizi per l’autoespressività e e le scritture
ludiche e così via. Mi vien da pensare che anche sul fronte della
domanda vi sia assai poca chiarezza di idee (il che spiega il
proliferare di iniziative generiche e il credito che trovano le
iniziative-fuffa).
-Va detto che l’espressione
“scrittura creativa” mi pare ormai piuttosto screditata. Per un
verso non me ne importa molto: neanche a me piace. Da altri versi è
un problema: intitolare un corso “Teoria e tecnica della
composizione del testo narrativo, argomentativo, drammatico e/o
poetico”; o, peggio, come piacerebbe a me, “Retorica
dell’argomentazione, della narrazione ecc.”; è – temo – un
ottimo sistema per non riuscire a vendere il corso.
- Dicevo (al punto 2) della centralità
del docente. Peraltro, sembra non sia ancora chiaro come si possa
distinguere preventivamente (cioè: prima di acquistare un corso) un
insegnante di scrittura affidabile da uno non affidabile. Il fatto di
aver pubblicato delle opere narrative o saggistiche ecc. potrebbe
essere un elemento di qualificazione: ma io stesso ho presente ottimi
scrittori che, messi alla prova, risultano essere pessimi insegnanti
di scrittura (mentre sono, magari, ottimi insegnanti di storia della
letteratura). Vero è che molti autori di opere letterarie
interpretano spesso le comparsate in corsi di scrittura come dei
momenti autopromozionali (forse basterebbe pagarli meglio). Sono
pochissimi coloro che insegnano scrittura e che rendono pubblico il
loro lavoro.
Intendo: che pubblicano articoli di
didattica della scrittura, che pubblicano manuali di scrittura o
saggi sulla scrittura eccetera; oppure che mettono materiali a
disposizione in rete.
- Considerate tutte queste cose, e
presumendo che se ne possano considerare anche molte altre, il
sospetto che mi viene è questo: che forse avrebbe senso costituire
una associazione tra persone che insegnano scrittura, allo scopo di
valorizzare il lavoro di chi fa queste cose da più tempo, con
maggiore professionalità, con maggiore trasparenza.
Immagino che l’associazione dovrebbe, così a occhio:
– essere ristretta. Non può essere una cosa per cui ci si paga un’iscrizione e si è dentro: devono essere ben chiari i requisiti necessari per farne parte;
– (al limite si potrebbero immaginare degli iscritti senior e degl iscritti junior, o qualcosa del genere);
– avere le caratteristiche di un network, con scambio di materiali e conoscenze tra gli iscritti;
– pubblicare in rete, gratuitamente o a pagamento (secondo i casi) materiali didattici;
– essere abbastanza seria da garantire che se una persona è dentro, è un insegnante affidabile;
– realizzare attività di formazione all’insegnamento della scrittura (rivolta a es. a insegnanti della scuola pubblica, ma anche agli stessi insegnanti di scrittura);
– avviare contatti e relazioni con l’ambiente accademico;
– ed eventualmente altro che ora mi sfugge.
Immagino che l’associazione dovrebbe, così a occhio:
– essere ristretta. Non può essere una cosa per cui ci si paga un’iscrizione e si è dentro: devono essere ben chiari i requisiti necessari per farne parte;
– (al limite si potrebbero immaginare degli iscritti senior e degl iscritti junior, o qualcosa del genere);
– avere le caratteristiche di un network, con scambio di materiali e conoscenze tra gli iscritti;
– pubblicare in rete, gratuitamente o a pagamento (secondo i casi) materiali didattici;
– essere abbastanza seria da garantire che se una persona è dentro, è un insegnante affidabile;
– realizzare attività di formazione all’insegnamento della scrittura (rivolta a es. a insegnanti della scuola pubblica, ma anche agli stessi insegnanti di scrittura);
– avviare contatti e relazioni con l’ambiente accademico;
– ed eventualmente altro che ora mi sfugge.
- Libero il campo da qualche equivoco
già visto all’opera in più di una conversazione:
– un’associazione non è un ordine professionale;
– l’associazione non si dà lo scopo di distinguere i “buoni” dai “cattivi”, ma mettendo in mostra il lavoro degli associati permette al potenziale frequentatore di corsi di valutare l’affidabilità degli associati (e, per converso, di notare come chi non mette in mostra il proprio lavoro si sottragga alla valutazione);
– se nasceranno diverse associazioni, ben venga;
– alla domanda: “Chi vi credete di essere, voi che credete di essere i migliori insegnanti di scrittura della piazza”, et similia, si risponde: noi mettiamo in mostra il nostro lavoro, se siamo buoni insegnanti o no lo valuteranno altri.
– un’associazione non è un ordine professionale;
– l’associazione non si dà lo scopo di distinguere i “buoni” dai “cattivi”, ma mettendo in mostra il lavoro degli associati permette al potenziale frequentatore di corsi di valutare l’affidabilità degli associati (e, per converso, di notare come chi non mette in mostra il proprio lavoro si sottragga alla valutazione);
– se nasceranno diverse associazioni, ben venga;
– alla domanda: “Chi vi credete di essere, voi che credete di essere i migliori insegnanti di scrittura della piazza”, et similia, si risponde: noi mettiamo in mostra il nostro lavoro, se siamo buoni insegnanti o no lo valuteranno altri.
- Ovviamente ho voglia di fondare una
simile associazione, e addirittura di farne parte (i requisiti per
l’ammissione saranno appositamente studiati per fare di me il
candidato ideale). Avevo già provato ad avviare qualcosa di simile,
tempo addietro; molto in penombra; e la cosa non si è sostenuta per
mancanza di energie o, più probabilmente, per non buona definizione
di scopi e obiettivi.
- Come tutte le associazioni, anche
questa avrà bisogno di un nome, Io propongo il Club Dumas.
Perché nei film il regista è la persona creativa più importante dietro le quinte, ma in televisione il merito è generalmente attribuito agli scrittori?
Spike Lee è un ottimo regista.
Il regista che ammira di più è Chuck
Jones.
Chi è Chuck Jones? È responsabile di
cose come questa
Perché Lee lo ammira così tanto?
Perché i cartoni animati durano sempre circa otto minuti. Lee non
riesce a capire come un regista potesse prevedere quanto sarebbe
stato lungo il prodotto finito. Lee non ha idea di quando inizierà
la durata del film e, sinceramente, non gliene importa. La
sceneggiatura è solo un suggerimento. Quando ci mette le mani sopra,
taglia le scene che non gli piacciono e ne aggiunge altre che pensa
possano aiutare.
Ricordi questa famosa scena di Speed?
Questo non era nella sceneggiatura
originale di Graham Yost. È stato aggiunto dal regista Jan de Bont.
È diventata un momento decisivo nel film.
La televisione non funziona così. Il
tuo lavoro deve rientrare in una "fascia oraria" fissa. 44
minuti per una fascia oraria di 60 minuti in modo che possano essere
inserite pubblicità. Inoltre, ci devono essere interruzioni negli
"Atti" in momenti precisi in modo che gli annunci
pubblicitari non si avvicinino troppo. In genere, queste interruzioni
arrivano a intervalli di 12 minuti.
Inserisci lo sceneggiatore televisivo.
Una persona che ha un'intima familiarità con il ritmo della
televisione e può produrre una sceneggiatura che si adatta a quei
rigidi vincoli.
Quindi passa al supervisore dello
script che organizza una lettura. Se è corto o lungo, ritorna allo
sceneggiatore con un'istruzione: taglialo o allungalo.
Quindi, il regista riprende quella
sceneggiatura. Nessuna aggiunta Nessuna sottrazione. Potrebbero
sistemare un piccolo dialogo qui o là, ma è tutto.
Se sei uno scrittore e lasci cadere uno
script di 120 pagine per uno spettacolo di 30 minuti sulla scrivania
del supervisore dello script, non lo trasformeranno in cinque parti.
Finiranno il loro rapporto con te.
E i registi hanno il lusso del tempo.
Hanno 3-4 mesi per girare un film. Un regista televisivo sarà
fortunato ad avere sette giorni.
Ciò non significa che i registi
televisivi non proveranno cose nuove, ma devono lavorare con gli
sceneggiatori per farlo funzionare.
Il numero "Get Happy" di Dr
House, M.D. Dopotutto sono solo soldi. Le canzoni, a quanto pare,
sono facili: possono essere facilmente cronometrate.
È per questo che "Saturday Night
Live" è probabilmente lo spettacolo più strettamente
sceneggiato in televisione. È per questo che, alle 7:30 della notte
della trasmissione, tagliano e passano al programma seguente . Quando
inevitabilmente si allunga, devono decidere cosa tagliare. Se ti
allontani dalla sceneggiatura, è la fine della tua collaborazione
con il mondo dello spettacolo.
Qualcosa mi sfugge, su come sia stato
possibile arrivare a questo:
passando per questo:
Intendiamoci: il mercato editoriale è
un mercato come tutti gli altri. Anzi, frequentandolo da ormai dodici
anni e altrettanti libri pubblicati, posso dire di conoscerlo
piuttosto bene. So benissimo cosa sia la legge della domanda e
dell'offerta, e so che si pubblica ciò che il pubblico vuole
comprare, e non ciò che "si spera" che il pubblico
comperi. É il motivo per cui è molto più facile vendere un libro
scritto male di un personaggio famoso che un libro scritto da Dio di
un emerito sconosciuto.
Ma il caso di
Taylor Mega
per me è come il mistero di Medjugorje
dell'editoria, il mistero dell'orizzonte del buco nero della carta
stampata, l'enigma delle piramidi delle librerie.
Capisco gli instant book e le biografie
di personaggi di enorme successo, ma che hanno
qualcosa
da dire, per cui una persona sarebbe
disposta a scucire 14 euro per una lettura. Ma Taylor Mega che
racconta come è diventata Taylor Mega proprio non me ko spiego.
Volendo però vedere l'altra faccia
della medaglia, se tanta gente è disposta a spendere soldi in
"libri" del genere, allora vuol dire che poi tanta crisi
nel mondo dell'editoria non c'è!
Eccoli qui.
I Boney M sono il gruppo musicale piú
falso che sia mai esistito, ha ingannato tutti i fan per anni.
Nessuno di loro ha mai cantato dal vivo, tutto era in playback, le
canzoni erano scritte da altri e loro si limitavano a fingere di
cantare. Nemmeno le voci erano le loro; il loro produttore, Frank
Farian, faceva tutto lui. Scriveva le canzoni, cantava le parti
maschili, ingaggiava le coriste per cantare le parti femminili e
ovviamente faceva il suo lavoro di promoter del gruppo. Solo in poche
canzoni, peraltro le meno note due delle ragazze, Marcia e Liz,
facevano i cori. Anche il nome del gruppo fu un'idea del produttore,
Boney era il nome di una serie televisiva trasmessa in Germania.
Beethoven si sta rivoltando nella
tomba!
No, musicisti nel senso classico del
termine no. Non me ne vogliano i DJ, anzi, ce ne sono di bravissimi,
tipo David Guetta, ma chiamiamoli in un altro modo, che ne
so…"performer musicali"…
Negli Stati Uniti hanno risolto il
problema inventando lo stratagemma del
555, un prefisso che non
esiste e che viene sempre anteposto ai numeri di telefono che
compaiono nelle produzioni hollywoodiane e nelle serie televisive
americane.
Un sistema utile e necessario per far
comprendere immediatamente al grande pubblico che il numero in
questione non è un numero reale e che le persone possono evitare di
chiamarlo perchè non otterrebbero risposta.
Ma in alcuni casi i registi hanno
utilizzato i numeri di telefono per altri motivi.
Il caso è quello ad esempio di
Scrubs, la serie televisiva
di successo con protagonista il chirurgo Chris Turk.
Al cast venne un'idea durante una
puntata. Nel corso di un episodio venne pubblicato un numero di
telefono che non era il classico 555. Il numero era vero ed era
agganciato ad un telefono che il cast si passò di mano per alcune
settimane rispondendo alle telefonate del pubblico che aveva così
l'incredibile occasione di poter parlare con i … personaggi della
serie!
Vicki Satlow, forse l'unico agente
letterario di livello massimo che lavora 'a viso aperto', con tanto
di sito in bella mostra.
Il problema è che fare l'agente
letterario è perfino peggio che lavorare per una casa editrice, per
quanto riguarda le molestie quotidiane.
Secondo molti in Italia scrive (o ha
cercato di scrivere per almeno 5–6 anni) quasi il 70% degli
Italiani.
E sono sempre tutti inevitabilmente
schiavi del Dunning-Kruger effect, un fenomeno psicologico,
perfettamente naturale, che purtroppo in letteratura ha un effetto
decisamente maggiore che in qualunque altro campo.
Il Dunning Kruger è un fenomeno per
il quale meno conosci una cosa, più ti sembra semplice, facile,
eccetera.
E questo in letteratura ('scrittura
creativa') porta inevitabilmente tutta questa masnada di scrittori a
pensare di avere scritto un capolavoro.
Ma facciamo degli esempi concreti.
Per esempio, chi non sa nulla di
bodybuilding…
Pensa che il body building sia
sollevare pesi sempre più pesanti a caso, usando le posture corrette
per non farsi male, e fine. E infatti, il motivo più diffuso per cui
la gente non si ingrossa, che ci crediate o meno è il sovra
allenamento.
Perché è il riposo a gonfiare i
muscoli. Lo sforzo li brucia. Lo sapevate questo? Ovviamente no.
La maggior parte di quelli che
falliscono nel migliorare in palestra è perché non sanno le regole
di base di come ci si allena… Le quali sì, sono complicate. Sono
complicatissime. Per questo senza istruttore nessuno ottiene mai un
bel nulla.
Ma facciamo un altro esempio.
La letteratura è incomprensibile agli
scrittori peggio ancora del
pattinaggio su ghiaccio.
Guarda come sorride… Quello che
sta facendo dev'essere assolutamente facile e divertente, no? Sennò
non sorriderebbe.
Nel pattinaggio artistico su ghiaccio,
più uno è bravo, più quello che fa sembra 'visivamente' facile.
Sembra addirittura spontaneo. E farlo sembrare facile, spontaneo e
addirittura divertente è proprio lo scopo 'visivo' dell'esibizione:
trasmettere una sensazione piacevole allo spettatore.
In realtà, l'atleta sta facendo una
fatica disumana e sta usando una concentrazione fuori dal comune,
coltivata nel corso di anni.
E pensate che sia il body building che
il pattinaggio sono MENO sottovalutati della letteratura. E tanto
pure.
TUTTI quelli che scrivono sono agnelli
sacrificali del Dunning Kruger effect; tutti quanti. Nessuno escluso.
Anche molti scrittori bravi e famosi lo sono, figurarsi quelli che
scrivono male.
Fino a quando non hai scritto 7–8
romanzi e non hai visto i tuoi stessi miglioramenti rispetto al
primo… non hai idea del lavoro che c'è dietro e di quanto sia
difficile scrivere BENE. Scrivere in modo che CHIUNQUE legge quello
che scrivi 'percepisca' ciò che deve.
E peggio ancora: in letteratura
peggio scrivi, più sei convinto di scrivere bene.
Nei casi estremi, in letteratura quando
scrivi schifezze assolute, pensi addirittura di essere un genio. Un
genio fuori dalle regole basilari della costruzione di una storia,
dei personaggi e dell'arte di raccontare. Sei superiore. Gli altri ne
hanno bisogno, ma tu no.
"Ma io scrivo cose vere"
"Ma io scrivo le mie
riflessioni"
Il 99% di chi scrive non ha capito
nemmeno che se scrive cose vere… Al lettore non gliene frega nulla.
In letteratura non è che basta 'dire'
che una storia è vera, e il lettore ci crederà. Un libro non è un
film, con degli attori in carne e ossa di fronte a te.
E anche quando racconti storie vere,
quelli sono comunque personaggi e tu stai comunque raccontando
qualcosa. Quando scrivi te la devi guadagnare quella sensazione di
sincerità che nei documentari viene fornita dalle immagini o i video
di repertorio, quelli reali.
E se scrivi riflessioni, allora i
personaggi saranno le riflessioni.
E i personaggi, che voi lo vogliate o
meno, devono andare a finire da qualche parte, non so se mi spiego.
Si chiama 'inizio-svolgimento-fine', e se non c'è, al lettore
mancherà COMUNQUE.
Il motivo per cui gli agenti
letterari e chiunque lavora nell'editoria cerca di non sbandierarlo
ai quattro venti, è non essere molestato giorno e notte da dozzine
di molestatori al giorno.
Perfino io, che non sono nessuno, vengo
'molestato' almeno una volta al mese da qualcuno che ha scritto un
ottimo 'qualcosa' (spesso nemmeno un romanzo) ed è convintissimo di
avere scritto qualcosa di fantastico…
Mentre il 100% delle volte è
letteralmente una porcata immonda… Ma io non ho nessuna voglia di
dirglielo, perché poi si offenderà.
Scrivere male significa - per
definizione - non saper distinguere quello che
*volevi*
scrivere da quello che è finito
veramente
*sulla carta*.
E dopo che l'hai scritto non vedi
letteralmente la differenza… Altrimenti scriveresti bene.
Oppure ti auto cestineresti da solo la
porcata che hai scritto… Cosa che non fa mai letteralmente NESSUNO,
perché credono tutti di avere messo su carta esattamente quello che
avevano in testa.
I cattivi scrittori scrivono appunti
personali. E' da lì che nasce il casino. 'Universalizzare' tali
appunti è un lavoro bestiale… Di cui nessuno sa assolutamente
nulla.
E quando spieghi a questa gente PERCHE'
fa schifo quello che hanno scritto (perché sì, io sono in grado di
'razionalizzarlo', purtroppo), loro credono che stai insultando
quello che loro avevano in testa, non quello che hanno scritto
effettivamente.
Quindi per evitare continue
telefonate e rotture di palle infinite, gli agenti letterari VERI in
Italia lavorano col basso profilo.
E quindi senza presenza social, senza
sito web, eccetera. Girano il loro giro di clienti e case editrici, e
fine.
Ma questo avviene anche in Inghilterra,
anche se con regole diverse.
In Inghilterra avvicinare certi agenti
letterari quando non sei nessuno, hai autopubblicato su Amazon o hai
vinto un premio letterario che non sia lo Strega… E' proprio
maleducazione, e fine della storia.
- 1000 è il minimo sindacabile sotto il quale si parla di fallimento 'sotto ogni punto di vista'
- 5000 è la decenza o 'decenza interessante', a seconda del tipo di lavoro/prodotto/budget (5000 copie per le barzellette di Totti sono un fallimento assoluto).
- 10'000 copie fanno un successo indiscusso.
Nota 1
Nell'ambito del selfpublishing ti
diranno che basta molto meno, perché si guadagna di più a copia…
Ma non è vero. Quello che guadagna lo scrittore non conta, quando si
parla di successo. Quando un film lo guarda un sacco di gente,
nessuno va a fare i conti in tasca riguardo a quanto è costato,
giusto? Dunque è vero anche il contrario: se un libro se lo leggono
meno di mille persone, vuol dire che non ti sta cagando nessuno, e
poco importa se hai tirato su 200 euro per un anno di lavoro o quel
che è.
Nota 2
Quelle qui riportate sono le cifre
italiane commisurate al bacino di utenza della lingua italiana. In
America va moltiplicato tutto grosso modo per 10, se ricordo bene
(paese enorme, tutto che parla la stessa lingua = vendite potenziali
estremamente maggiori).
Nota 3
Solo un 5% dell'editoria tradizionale
arriva alle 1000 copie vendute. Nel selfpublishing la percentuale si
abbassa a dismisura, ma siccome amazon tiene le cifre reali nascoste,
non ci sono numeri concreti. E il motivo per cui Amazon tiene le
cifre nascoste è che guadagna MOLTO di più dai servizi accessori
collegati al self che dalle vendite (e quindi deve mantenere 'in
piedi' la balla che il self funziona). Parlo di servizi accessori
quali: pubblicità a pagamento sul loro sito, alta visibilità sui
loro motori di ricerca (che poi è la stessa cosa della pubblicità),
per non parlare poi di tutti i servizi che 'accessori' lo sono per
davvero (grafiche a pagamento, editing, ecc).
