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Nel 1981, tra i vasti paesaggi post-apocalittici di Mad Max 2 , una delle presenze più memorabili non fu un attore, ma un cane. Chiamato semplicemente "Dog" nel film, l'animale divenne un'icona della saga grazie al suo rapporto con Max Rockatansky, interpretato da Mel Gibson. Tuttavia, la sua storia reale è altrettanto straordinaria quanto quella raccontata sullo schermo.

Il cane fu salvato all'ultimo momento da un canile locale, dove era destinato a essere soppresso. La produzione era alla ricerca di un animale che potesse accompagnare il protagonista nel deserto australiano, e quando i membri dello staff notarono un cane che giocava con una pietra come se fosse un giocattolo, capirono di aver trovato il candidato perfetto. L'intelligenza e l'energia dimostrate dall'animale hanno convinto il team che avrebbe potuto essere addestrato per recitare nel film.

Nonostante la sua predisposizione, l'addestramento ebbe alcune difficoltà. La canna, infatti, non sopportava il rumore dei motori delle auto e delle esplosioni, costringendo la produzione a dotarlo di speciali tappi per le orecchie per proteggerlo durante le riprese.

Sul set, il cane si affezionava particolarmente all'attore Bruce Spence, che interpretava il "Capo degli Aviatori". Per rendere più credibile la scena in cui l'animale doveva sembrare aggressivo, Spence giocava con lui fingendo di mordere la sua sciarpa. Con un'abilità di montaggio e l'aggiunta di effetti sonori, il cane appare molto più minaccioso di quanto fosse in realtà.

Fortunatamente, la storia ha avuto un lieto fine anche fuori dal set. Dopo la fine delle riprese, uno degli operatori di ripresa decide di adottare il cane, offrendogli una casa amorevole lontano dal mondo post-apocalittico di Mad Max .

Quella del "Dog" di Mad Max 2 è una delle tante storie affascinanti che dimostrano come anche un piccolo dettaglio, come un cane salvato da un cane, possa lasciare un'impronta indelebile nella storia del cinema.

Quando Blade Runner uscì nel 1982, si impose come un capolavoro visivamente rivoluzionario, destinato a diventare un cult del cinema di fantascienza. Tuttavia, dietro la macchina da presa, la produzione fu segnata da tensioni e conflitti, in particolare tra il regista Ridley Scott e la sua star, Harrison Ford. Un rapporto teso, nato sin dalle prime fasi del film e peggiorato con il passare delle settimane sul set.

All'epoca, Ford era già una delle stelle più luminose di Hollywood, grazie ai ruoli iconici di Han Solo in Star Wars e di Indiana Jones in I predatori dell'arca perduta . La sua partecipazione a Blade Runner doveva rappresentare un'evoluzione nella sua carriera, ma il rapporto con Scott si rivelò problematico sin dall'inizio.

Uno dei primi motivi di scontro fu il look del personaggio. Scott aveva in mente un'estetica ben precisa per Rick Deckard, che includeva un cappello ispirato a quello di Indiana Jones. Ford, temendo un'associazione troppo diretta con il suo precedente ruolo, si oppone fermamente. Quando il regista continuò a insistere su una direzione stilistica precisa, l'attore prese l'iniziativa e si recò dal barbiere per un taglio di capelli moderno, senza informare la produzione. Al suo ritorno, Scott fu furioso: odiava il nuovo look di Ford, ma ormai era troppo tardi per cambiarlo.

Le riprese furono estenuanti e contribuirono a inspirare ulteriormente il clima sul set. Scott era noto per il suo perfezionismo e il suo approccio visivo meticoloso, ma il suo stile di direzione, spesso freddo e autoritario, non trovò mai un punto di incontro con Ford. L'attore si sentiva frustrato dal metodo del regista, che lasciava poco spazio all'improvvisazione e all'interpretazione personale. Il malcontento si aumentò quando Scott, in un'intervista, affermò di sentirsi più vicino alla troupe britannica del film che agli attori americani, un commento che infastidì Ford e gli altri membri del cast.

Un altro elemento di attrito fu il famigerato monologo fuori campo, aggiunto in fase di post-produzione per rendere la trama più comprensibile al pubblico. Ford registrò la voce narrante con scarso entusiasmo, sostenendo che non fosse necessaria e che avrebbe appesantito il film. In seguito, nelle versioni successive della pellicola, Scott rimosse il monologo, confermando di non averlo mai apprezzato.

Tutte queste tensioni ebbero un impatto duraturo: per oltre due decenni, Ford evitò di parlare di Blade Runner nelle interviste, manifestando iniziale il suo disprezzo per l'esperienza vissuta sul set. Anche Scott non nascose il suo disappunto per le difficoltà incontrate con l'attore.

Col tempo, però, l'ostilità si attenua. Con l'uscita delle edizioni restaurate del film e il seguito Blade Runner 2049 , Ford riconobbe il valore del progetto e accettò il ruolo iconico che il film aveva assunto nella storia del cinema. Eppure, l'intensa battaglia dietro le quinte tra il regista e la sua star rimane una delle leggende più affascinanti di Hollywood.

Quando Black Adam è arrivato nelle sale nel 2022, le aspettative erano alte: Dwayne Johnson, star di Hollywood con un impressionante curriculum di successi al botteghino, aveva promosso il film come l’inizio di una nuova era per il DC Extended Universe (DCEU). Tuttavia, nonostante un incasso globale di 393 milioni di dollari, il film si è rivelato un disastro finanziario. Ma come può un film che ha quasi raddoppiato il suo budget essere considerato un fiasco?

La risposta risiede nei complessi meccanismi dell’economia cinematografica. Il budget dichiarato di Black Adam era di circa 200-260 milioni di dollari, una cifra già elevata per un cinecomic, ma i costi di produzione sono solo una parte dell’equazione. A questi si aggiungono le spese di marketing e distribuzione, che spesso raddoppiano il costo complessivo di un film. Warner Bros. ha speso una cifra considerevole per promuovere il film a livello globale, portando il costo totale ben oltre i 400 milioni di dollari.

Un altro fattore chiave è la ripartizione degli incassi. I cinema trattengono una parte significativa del box office: negli Stati Uniti, gli studi ricevono in media il 50-55% degli incassi, mentre nei mercati internazionali la percentuale scende ulteriormente, spesso sotto il 40%. Facendo i conti, Warner Bros. ha probabilmente recuperato meno di 200 milioni di dollari dagli incassi, molto meno di quanto necessario per coprire le spese.

Hollywood segue una regola non scritta secondo cui un film deve incassare almeno tre volte il suo budget di produzione per generare profitto. Nel caso di Black Adam, avrebbe dovuto superare gli 800 milioni di dollari per essere considerato un successo. In confronto, film come Aquaman (2018) hanno superato il miliardo, mentre persino The Batman (2022), con un budget simile, ha incassato 770 milioni, risultando molto più redditizio.

A complicare la situazione, il film ha ricevuto recensioni tiepide e un'accoglienza deludente dal pubblico. La critica ha sottolineato una sceneggiatura debole, un tono incerto e una CGI altalenante, fattori che hanno frenato il passaparola positivo. Inoltre, il film è arrivato in un momento di transizione per la DC, con il nuovo corso di James Gunn e Peter Safran alla guida dello studio, segnando la fine dell'era DCEU così come era stata concepita fino a quel momento.

Infine, la strategia distributiva ha giocato contro il film: dopo poche settimane dall’uscita nelle sale, Black Adam è stato reso disponibile su piattaforme digitali, riducendo ulteriormente il potenziale incasso cinematografico.

Nonostante l'apparente successo numerico, Black Adam è stato un investimento fallimentare per Warner Bros., segnando un'altra battuta d’arresto nella travagliata gestione dell’universo cinematografico DC. Un risultato che ha messo in discussione non solo il futuro del personaggio, ma anche la strategia complessiva dello studio per i suoi cinecomic.

I film ci hanno abituato a una visione idealizzata e rapida dei funerali, ma una recente esperienza ha fatto emergere una discrepanza significativa tra la finzione cinematografica e la realtà di come vengono gestiti i processi legati alla morte. A differenza di quanto mostrato frequentemente sul grande e piccolo schermo, dove le lapidi sono già pronte e ben visibili al momento della sepoltura, nella vita reale i tempi di realizzazione e installazione di una lapide sono ben più lunghi e complessi.

Questa rivelazione è arrivata in modo molto personale: dopo la scomparsa di un caro, ho dovuto affrontare la gestione del funerale e della sepoltura di mio suocero, un uomo di 91 anni, lo scorso ottobre. Come molti, mi aspettavo una procedura che fosse almeno simile a quella che i film ci mostrano: un funerale rapido, seguito dalla sepoltura e dall'istallazione della lapide, con la data di morte già visibile sulla pietra tombale.

La realtà, invece, è ben diversa. Dopo aver acquistato un appezzamento in un cimitero locale, abbiamo scoperto che la realizzazione di una lapide su misura avrebbe richiesto almeno tre mesi. Non solo, ma poiché la pietra sarebbe stata pronta in inverno, l'installazione sarebbe avvenuta solo nella primavera successiva, una volta che il terreno si fosse scongelato. Quindi, mentre il corpo era stato sepolto a inizio ottobre, la tomba di mio suocero rimaneva priva della lapide più di tre mesi dopo.

Questa lunga attesa è un aspetto che i film, apparentemente, ignorano o semplificano. Infatti, nei film e nelle serie TV, ci viene mostrato un funerale in cui il corpo viene sepolto e la lapide è già al suo posto, pronta e sistemata con tanto di dati di nascita e morte. È un'immagine comoda, che permette di risolvere tutto in un istante, mentre nella realtà, questo processo richiede tempo e pianificazione. Anche nei casi in cui una persona venga sepolta in un terreno di famiglia, la pietra esistente non viene aggiornata con i dati di morte al momento del funerale, come suggerito da molti scenari cinematografici.

Questo “errore” cinematografico, o meglio, semplificazione narrativa, non solo offre un'interpretazione distorta delle tempistiche, ma contribuisce anche a dare un'impressione irreale dei tempi e dei costi legati alla sepoltura. Mentre il lutto e la perdita vengono affrontati con una certa immediatezza sullo schermo, nella vita reale il processo di chiusura, simbolizzato dalla lapide, è ben più prolungato, a volte anche per mesi.

Questa dissonanza tra film e realtà solleva anche interrogativi più ampi sul modo in cui la morte viene rappresentata nel cinema. Se da un lato i film tendono a semplificare le procedure burocratiche e logistiche per concentrarsi sul lato emotivo della morte, dall'altro, omettono dettagli che, pur essendo pratici, contribuiscono a formare l'esperienza reale di un lutto.

Due esempi si trovano nello stesso film.

Primo: Mel Brooks avrebbe dovuto interpretare Igor in Frankenstein Junior. Ma dopo aver visto Marty Feldman, lo scelse al suo posto. Feldman diede al ruolo qualcosa che nemmeno Brooks stesso avrebbe potuto fare. Contribuì a trasformare un film divertente in uno assolutamente folle.

Secondo: Gene Hackman non era famoso per la comicità. Ma fu scelto per la parte dell'eremita cieco in Frankenstein Junior. La scena con lui e Peter Boyle è un classico della commedia sullo schermo. La sua ultima battuta era completamente improvvisata, ed era geniale. Chi a metà degli anni '70 avrebbe pensato che la battuta più divertente in un film di Mel Brooks sarebbe stata pronunciata da lui? (O, almeno, una delle più divertenti.)

Nel panorama cinematografico della fantascienza, la rappresentazione della tecnologia appare spesso come una versione più primitiva rispetto agli sviluppi tecnologici reali che stiamo vivendo. Tuttavia, questa scelta non è casuale né priva di significato. I film di fantascienza, in realtà, riflettono più un'istantanea del tempo in cui sono stati creati piuttosto che un'effettiva previsione del futuro.

L'equivalente dei computer di Star Trek degli anni '60.

Un esempio lampante di questa dinamica si trova in Star Trek , una delle serie più iconiche del genere. All'epoca della sua creazione, negli anni '60, la tecnologia dei computer era ben lontana dall'essere quella che conosciamo oggi. I computer occupavano interi edifici, lavorando su enormi mainframe e utilizzando bobine di nastro per memorizzare dati. In questo contesto, l'idea di un computer in grado di memorizzare e trasportare informazioni in formati così compatti da essere facilmente trasportabili su una navetta spaziale era considerata pura utopia. Eppure, Star Trek prefigurava una realtà in cui le informazioni venivano immagazzinate in dispositivi portatili, un concetto che sarebbe diventato realtà solo decenni più tardi con i moderni laptop e smartphone.

Allo stesso modo, i comunicatori visti in Star Trek erano la naturale evoluzione dei walkie-talkie e delle radio portatili utilizzate durante la Seconda Guerra Mondiale. Questi strumenti avevano già mostrato il potenziale di comunicazione a distanza, ma nessuno avrebbe immaginato che, con il passare del tempo, la tecnologia avrebbe unito comunicazione vocale, video, navigazione GPS e accesso a internet in un singolo dispositivo portatile. Quel “comunicatore” rappresentava un passo futuristico, ma non così avanzato come i telefoni cellulari che oggi usiamo quotidianamente.

Ma Star Trek non è l'unico esempio. Anche altre saghe di fantascienza, come Fallout , pongono un interrogativo simile riguardo alla rappresentazione tecnologica. In Fallout , la civiltà si è sviluppata su un binario alternativo in cui l'energia nucleare è diventata una risorsa abbondante, consentendo progressi incredibili in ambito energetico e tecnologico. Tuttavia, nonostante l'energia avanzata, la tecnologia di Fallout rimane anacronistica rispetto ai nostri standard, poiché il progresso nell'informatica è rimasto ancorato ai livelli degli anni '70. In questo universo alternativo, la tecnologia informatica non ha subito la stessa evoluzione che noi conosciamo, e ciò crea un contrasto tra i salti in avanti nel campo dell'energia nucleare e la relativa stagnazione in quello dei microchip.

Anche nei mondi steampunk, la tecnologia è improntata a una visione alternativa della realtà. Ad esempio, nelle storie ambientate in universi steampunk, l'idea di viaggi spaziali attraverso enormi vele si distacca dalle leggi fisiche che conosciamo, come l'assenza di venti nello spazio. Tuttavia, in questi mondi, l'esistenza di correnti di energia e venti nello spazio dà un senso alla tecnologia, creando un contesto in cui navi spaziali a vela non solo sono plausibili, ma perfettamente compatibili con le leggi interne di quell'universo immaginario. In altre parole, anche se nel nostro mondo non esistono giustificazioni fisiche per tale tecnologia, essa ha una coerenza logica e narrativa all'interno di quei mondi alternativi.

La realtà è che la fantascienza non si limita a fare previsioni accurate sul futuro tecnologico. Spesso, rappresenta un altro tempo o un altro universo, in cui la tecnologia si sviluppa lungo un percorso diverso rispetto al nostro. Oppure, se ambientata nel nostro futuro, la fantascienza riflette le competenze tecnologiche e le concezioni dell'epoca in cui è stata creata, con il rischio che, con il passare degli anni, ciò che una volta sembrava futuristico appaia obsoleto.

In breve, i film di fantascienza mostrano tecnologie che sembrano spesso arretrate non per un errore di previsione, ma come risultato della necessità di radicarsi nelle percezioni e nelle capacità tecnologiche di un determinato periodo storico. Con l'avanzare del tempo, queste visioni diventano finestre su un'epoca passata, che sembrano evidenziare quanto velocemente la nostra comprensione e l'applicazione della tecnologia possa evolversi.

Nella complessa macchina produttiva di un film, le comparse svolgono un ruolo essenziale, spesso invisibile ma fondamentale per creare l'atmosfera di una scena. Come ben sanno coloro che hanno avuto questa esperienza — e chi scrive ha raccolto testimonianze dirette — ci sono regole precise che ogni comparsa deve rispettare per garantire il successo delle riprese. Anche se ogni regista adotta variazioni personali, alcune linee guida restano universali.

La prima riguarda l'abbigliamento. In molte produzioni, le comparse possono essere chiamate a indossare i propri vestiti, ma c'è una chiara direttiva: scegliere colori neutri. Maglioni neri, jeans scuri e tonalità sobrie sono preferiti per evitare che la comparsa risalti troppo sullo schermo, distraendo l'attenzione del pubblico dai protagonisti. L'obiettivo è fondersi armoniosamente con l'ambiente, diventando parte del tessuto visivo della scena.

In secondo luogo, le comparse devono mantenere un basso profilo. Il loro compito principale è essere uno sfondo discreto e credibile per l'azione principale. Un movimento eccessivo o un gesto plateale possono compromettere la coerenza della scena e costringere il regista a ripetere il ciak.

Un'altra regola fondamentale riguarda il comportamento: naturalezza è la parola d'ordine. Quando una comparsa simula una conversazione, deve evitare gesti esagerati o suoni udibili, poiché i dialoghi principali vengono registrati dai microfoni direzionali puntati sui protagonisti. Tuttavia, non mancano eccezioni che mostrano come il cinema sappia accogliere l'imprevisto e trasformarlo in un momento di autenticità.

Un caso emblematico è quello di una scena drammatica durante le riprese di un film d'azione. Un uomo iniziava a sparare in un luogo affollato, provocando il panico tra i passanti. Le comparse, pur consapevoli che si trattava solo di finzione e che le armi utilizzavano risorse a salve, hanno reagito istintivamente, correndo per mettersi in salvo. In questo caos orchestrato, una comparsa ha accidentalmente urtato il protagonista, facendola cadere a terra. Quella caduta imprevista, inizialmente percepita come un errore, è stata invece mantenuta nel montaggio finale perché il regista ha riconosciuto il suo valore aggiunto: un tocco di realismo spontaneo che ha reso la scena più coinvolgente.

L'esperienza dimostra che, sebbene le comparse siano guidate da regole rigide, esiste uno spazio inaspettato per l'improvvisazione naturale. La tensione tra ordine e casualità è ciò che rende il cinema vivo, permettendo talvolta agli istinti di prendere il sopravvento, regalando al pubblico momenti indimenticabili.

Quando Michelle Rodriguez firmò per recitare in Fast and the Furious nel 2001, si trovò davanti alla sua prima grande occasione nel mondo di Hollywood. Tuttavia, non tutto nella sceneggiatura la convinceva. Inizialmente, infatti, il suo personaggio, Letty Ortiz, avrebbe dovuto essere coinvolto in un improbabile triangolo amoroso con Dominic Toretto (interpretato da Vin Diesel) e Brian O'Conner (Paul Walker).

Per Rodriguez, l'idea era semplicemente inverosimile. "Il mio personaggio era la ragazza di Vin Diesel, ma nella sceneggiatura era segretamente innamorata di Paul Walker. Onestamente, non aveva senso! Gli sceneggiatori hanno semplicemente buttato lì un triangolo amoroso senza pensare al contesto e ai personaggi," ha spiegato l'attrice in un'intervista.
Rodriguez non ha mai esitato a sottolineare quanto Letty Ortiz fosse una donna forte e leale, profondamente innamorata di Dominic, il maschio alfa per eccellenza. "Immagina questo: il mio personaggio è una latina che esce con un maschio alfa — e più alfa di lui, muori — e all'improvviso lo tradisce con un twink? Non succede mai. Non è credibile," ha dichiarato senza mezzi termini.

La determinazione dell'attrice nel difendere la coerenza narrativa del suo personaggio fu tale da spingerla a fare pressioni sui produttori. Arriva anche a supplicarli e minacciare di lasciare il progetto se il triangolo amoroso non fosse stato eliminato.

"Ho detto loro che mi dispiaceva, ma non potevo accettare una storia così improbabile", ha raccontato Rodriguez. "Ho chiesto loro di lasciarmi andare senza farmi causa. Ci hanno pensato e alla fine hanno abbandonato il triangolo amoroso."

La scelta si rivelò vincente. Letty Ortiz rimase una figura centrale nella saga di Fast & Furious , celebre per la sua personalità forte, la sua lealtà verso Dominic e il suo ruolo di donna d'azione indipendente. Senza il compromesso sulla coerenza del personaggio, Michelle Rodriguez ha contribuito a rendere Letty una delle figure più iconiche e amate della serie cinematografica.

Questa vicenda dimostra quanto sia importante che gli attori difendono l'integrità dei propri personaggi, anche a costo di sfidare le convenzioni narrative imposte dai produttori. In questo caso, il coraggio e la visione di Michelle Rodriguez hanno contribuito a plasmare la saga di Fast & Furious come la conosciamo oggi.

La figura di Bruce Lee è stata a lungo mitizzata come il simbolo dell'artista marziale per eccellenza, capace di fondere filosofia orientale e combattimento. Tuttavia, dietro l'immagine costruita e venduta da Hollywood, si cela una realtà molto più complessa e controversa, legata non solo alla sua identità culturale, ma anche alla sua reale conoscenza delle arti marziali e ai pericoli che ha corso nel corso della sua vita.

Bruce Lee non era, secondo alcuni critici, un artista marziale completo. Cresciuto a Hong Kong, Bruce iniziò la sua carriera non come combattente, ma come attore bambino. Tra i sei e i dodici anni, apparve in numerosi film cinesi, alimentando il desiderio di notorietà che lo avrebbe accompagnato per tutta la vita. Tuttavia, la sua infanzia dorata nascondeva un lato oscuro: una costante lotta per essere accettato in una società che lo considerava un outsider. Bruce, figlio di un padre cinese e di una madre per metà caucasica, fu spesso emarginato per il suo sangue “non puro”.

La sua introduzione alle arti marziali avvenne attraverso il Wing Chun, uno stile sviluppato per la difesa personale e noto per la sua semplicità ed efficacia a distanza ravvicinata. Bruce si avvicinò a questa disciplina non per una vera passione, ma per difendersi dalle aggressioni di strada. Tuttavia, la sua formazione fu limitata: due anni di pratica non bastarono a rendere un esperto. Inoltre, i conflitti con i compagni di allenamento, che scoprirono le sue origini non completamente cinesi, complicarono ulteriormente la sua posizione.

Quando Bruce si trasferì negli Stati Uniti, portando con sé le sue conoscenze di Wing Chun, trovò un pubblico affascinato dal misticismo orientale. Questo lo spinse a creare una scuola e a promuovere un metodo di combattimento che chiamò “Jeet Kune Do”, un mix di tecniche adattive che si discostavano dalle arti tradizionali. Tuttavia, secondo i detrattori, Bruce non aveva la preparazione necessaria per definirsi un vero artista marziale. Il Wing Chun, pur essendo efficace, non è considerato una forma marziale completa, e il suo adattamento di diverse tecniche non era basato su una formazione strutturata.

L'ascesa di Bruce Lee a star del cinema fu segnata da compromessi e scontri con la mafia cinese, le Triadi, che da decenni avevano un'influenza significativa sia sulle arti marziali che sull'industria cinematografica. Le sue ambizioni di fare il salto definitivo a Hollywood furono viste come una minaccia da alcune fazioni mafiose. L'apice delle tensioni si raggiunse quando Bruce progettò un film, “The Game of Death” , che secondo alcuni rivelava dettagli scottanti sulle Triadi. Questo progetto, combinato con il suo crescente successo internazionale, lo avrebbe portato a essere visto come un pericolo per chi controllava il mercato cinematografico cinese.

Bruce morì in circostanze misteriose nel 1973, alimentando teorie sul coinvolgimento delle Triadi e sull'uso di tecniche segrete per eliminarlo. La sua morte fu ufficialmente attribuita a un edema cerebrale, ma molti credevano che fosse stato assassinato.

La tragedia colpì di nuova la famiglia Lee con la morte del figlio di Bruce, Brandon Lee, avvenuta durante le riprese del film “Il Corvo” nel 1993. Brandon, come suo padre, si era fatto strada nel mondo dello spettacolo, ma condivideva anche il destino di essere al centro di misteri e congetture. Poco prima della sua morte, Brandon dichiarò di voler scoprire la verità sulla scomparsa del padre. Questa affermazione, pronunciata in un talk show nazionale, avrebbe attirato l'attenzione di potenti gruppi mafiosi, i Tong americani, che vedevano in Brandon una minaccia simile a quella rappresentata da Bruce.

La sua morte, ufficialmente attribuita a un incidente sul set, sollevò molte domande. La pistola di scena che sparò il colpo fatale avrebbe dovuto essere caricata a salve. Ancora oggi molti sostengono che si tratta di un messaggio deliberato da parte di gruppi criminali.

Ciò che emerge dalla storia di Bruce e Brandon Lee è un racconto di aspirazioni e tragedie, di conflitti culturali e di poteri oscuri che si intrecciano. Al di là della loro abilità nelle arti marziali o della loro autenticità, entrambi rappresentano simboli complessi: figure che hanno cercato di superare i confini imposti dalle loro origini e dalle aspettative del mondo, pagando un prezzo altissimo per il loro coraggio.

La distribuzione dei proventi del botteghino è un processo articolato che coinvolge una serie di attori e vari modelli di divisione, ognuno dei quali può variare in base agli accordi specifici e alle circostanze particolari di ogni film. Ecco un approfondimento su come avviene generalmente:

1. Ricavi Lavoro del Botteghino

Quando un film viene proiettato nei cinema, i ricavi totali generati dalla vendita dei biglietti non sono come ricavi lordi. Questi ricavi includono tutti i biglietti venduti nelle vendite cinematografiche, ma non sono immediatamente a disposizione di una singola parte. Vanno infatti divisi tra i vari soggetti coinvolti nel processo di produzione e distribuzione del film.

2. Divisione dei Ricavi tra Distributori e Cinema

Una volta che i ricavi sono stati raccolti dai cinema, questi vengono suddivisi tra i proprietari delle vendite ei distributori del film (che di solito sono associati agli studi di produzione). La percentuale esatta varia in base a numerosi fattori, come la popolarità del film, gli accordi commerciali specifici e la forza contrattuale delle parti coinvolte. In genere, la divisione è di circa 50-60% per i distributori e 40-50% per i cinema . Questa percentuale può cambiare una seconda della notorietà di un film e degli accordi stipulati tra le parti.

3. Recupero dei costi di produzione

Prima di iniziare a generare profitti, devono essere recuperati i costi di produzione del film. Questi includono non solo le spese di ripresa e montaggio, ma anche i costi per il marketing, le pubblicità, le royalties agli attori e altre spese varie. I costi di produzione sono solitamente dedotti dalla quota del distributore, il che significa che gli studi cinematografici non vedranno un profitto netto fino a quando non verranno coperti questi costi.

4. Flussi di Ricavi Successivi

Oltre ai ricavi derivanti dalla proiezione cinematografica, un film può continuare a generare guadagni anche dopo la sua uscita nelle vendite. Questi ricavi aggiuntivi provengono da diverse fonti:

• Intrattenimento domestico: DVD, Blu-ray, e, sempre più frequentemente, piattaforme di streaming .

• Mercati Internazionali: La distribuzione nei cinema esteri può rappresentare una parte importante dei guadagni.

• Diritti televisivi: La vendita dei diritti per la trasmissione televisiva, sia via cavo che via streaming, genera un altro flusso di guadagno.

Ciascuna di queste fonti ha la propria divisione dei ricavi, che dipende da accordi specifici tra i vari distributori e piattaforme.

5. Pagamenti ai Talenti e Stakeholder

Attori, registi, produttori e altri talenti coinvolti nel film possono ricevere una percentuale dei ricavi lordi, o talvolta un compenso fisso stabilito contrattualmente. Se un film ottiene un grande successo, è comune che vengono inclusi bonus legati a obiettivi di fatturato. Questi bonus si attivano solitamente quando il film supera determinate soglie di guadagno, come ad esempio un dato livello di incasso.

6. Accordi specifici con le catene di cinema

In alcuni casi, le principali catene di cinema negoziano accordi esclusivi con gli studi cinematografici, i quali possono variare il modello di condivisione dei ricavi . Per esempio, una catena di cinema particolarmente influente potrebbe ottenere una percentuale maggiore rispetto ad altre, in cambio di visibilità o esclusività su una determinata programmazione. Questo rende ulteriormente complessa la distribuzione complessiva dei ricavi, poiché ogni accordo specifico comporta una diversa divisione dei guadagni.

La distribuzione dei proventi del botteghino non è semplice e coinvolge una serie di variabili, tra cui la divisione tra distributori e cinema, il recupero dei costi di produzione, i flussi di ricavi successivi (come i diritti di streaming o televisivi), ei pagamenti agli attori e ai talenti. Oltre a questi, gli accordi particolari tra cinema e studi cinematografici possono influire in modo significativo sulla distribuzione finale dei guadagni. In ogni caso, il sistema è costruito per garantire che tutte le parti coinvolte ricevessero una parte dei proventi, seppur in modo differenziato e negoziato.

Le fluttuazioni del corpo di Christian Bale mettono a dura prova la credibilità. Un minuto è un omino stilizzato ( The Machinist ), l'altro un'anguria gigante ( Vice ).

Il suo corpo straordinariamente malleabile è leggendario: è il suo biglietto da visita come attore.

Ma se si trascura il ciclo fatale di aumento/perdita di peso in cui si trova Bale, la sua controparte femminile è forse più brava a trasformarsi.

Parlo ovviamente di Tilda Swinton, l'attrice per tutte le stagioni, un vero e proprio camaleonte.

Non c'è niente che non possa fare, niente che non abbia già fatto.

Che interpreti il ​​saggio Antico in Doctor Strange , il mostruoso Ministro Mason in Snowpiercer , la Strega Bianca in Narnia o un vampiro in Solo gli amanti sopravvivono , Swinton si trasforma completamente nei suoi personaggi.

La trasformazione non è solo estetica, è evidente nei suoi manierismi, nel linguaggio del corpo e nella voce. È un vero camaleonte. Tanto che è quasi sconcertante quando interpreta una persona "normale", come ha fatto in Trainwreck .

Ma il suo pezzo forte in quanto forza trasformativa sono forse i suoi ruoli gemelli in Suspiria , dove interpreta sia un uomo che una donna.

Come ho detto, è un vero camaleonte.

Per quanto riguarda la controparte femminile di Leonardo DiCaprio, mi verrebbe da dire Amy Adams.

Entrambi sono immensamente rispettati, entrambi sono considerati tra i migliori della loro generazione, entrambi sono beniamini dei premi ed entrambi hanno un'invidiabile mole di lavoro.

Anche Amy Adams sta replicando la famosa siccità di Oscar di DiCaprio. È stata candidata a sei Oscar senza mai vincere.

Alla fine ne vincerà uno, è quasi inevitabile, proprio come è successo con DiCaprio.

Ci sono diverse ragioni, non ultima delle quali è che il programma di un attore televisivo è così massacrante che è difficile fare uno spettacolo, figuriamoci due. Di solito funziona meglio quando gli spettacoli dell'attore hanno lo stesso produttore o se interpretano lo stesso personaggio.

Alcuni esempi includono - Erica Locklear

Il fenomeno degli anni '80 Locklear è apparso contemporaneamente in TJ Hooker e Dynasty.

Entrambi erano della Aaron Spelling Productions.

Richard Anderson e Martin E. Brooks, L'uomo da sei milioni di dollari e la donna bionica.

Entrambi gli show erano avventure che coinvolgevano un uomo e una donna che erano stati ricostruiti meccanicamente per possedere superpoteri. Ogni settimana venivano inviati in una missione segreta nell'interesse della sicurezza nazionale.

Entrambi i personaggi avevano lo stesso scienziato (Brooks) che si occupava della loro salute e delle loro prestazioni, e faceva capo al capo di un'agenzia governativa segreta (Anderson).

Brooks nel ruolo del dottor Rudy Wells

Anderson come Oscar Goldman

Spesso, quando ciò accade, l'attore non è un personaggio principale in una delle due serie.

Robert Reed,

Reed sarà sempre Mike Brady, un ruolo che ha interpretato in The Brady Bunch dal 1969 al 1974. Ma allo stesso tempo ha avuto un ruolo ricorrente come il tenente Adam Tobias in Mannix

Interpretava quest'ultimo ruolo solo occasionalmente e scherzava sul fatto di essere diventato un maestro nella guida di golf cart, passando da un set all'altro.

Un altro motivo è che se qualcosa va storto, un attore rischia di perdere due lavori invece di uno. Può essere un killer di carriera.

Dorothy Lyman, La famiglia di mamma, Tutti i miei figli

La vincitrice del Daytime Emmy Dorothy Lyman stava avendo un periodo di successo nella soap All My Children quando le è stata offerta la possibilità di apparire in Mama's Family. Spesso scherzava sul suo conto miglia frequent flyer, nonostante fosse dura spostarsi ogni settimana tra New York e Los Angeles, dove venivano girati entrambi gli show.

Poi Mama's Family fu cancellato nello stesso periodo in cui perse All My Children. Ricevette un po' di recensioni negative ma fu fortunata. MF fu preso in syndication di prima visione e Lyman ebbe una buona corsa. Divenne una delle registe più impegnate della televisione.

Gli attori che appaiono in due spettacoli contemporaneamente sono individui stressati e anche se hanno delle pause, come alcuni degli attori di questo articolo, non è facile e la maggior parte di loro non vuole che ciò accada.